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Cuando el color está en el papel

No es ninguna novedad que cada vez más la elección del color es parte esencial a la hora de diseñar un trabajo. El color podemos elegirlo en nuestra pantonera, y también podemos elegirlo en nuestro catálogo de papel.

Una marca no es solo un producto, un sitio web, una tipografía, un color, un logotipo, es todo eso junto, es un algo intangible y muchas veces la forma de hacer tangible los intangibles de la marca es con el papel, con nuestra comunicación impresa: desde la papelería hasta los informes anuales, los libros o el embalaje.

La tangibilidad del papel apela a las emociones, que es algo que debemos tener en cuenta a la hora de diseñar cualquier estrategia de marca. El papel es un medio ideal para comunicar sensaciones sutiles, sentimientos, mensajes casi subliminales, independientemente de lo que se imprima sobre él. Su tacto, su apariencia visual, su peso, su olor son información sensorial con la que el sector creativo ha aprendido a trabajar, a combinar, en definitiva, a crear…

Y junto con el papel, viene el color. Cuando elegimos un papel y un color para el desarrollo de una marca podemos optar por un papel de color neutro e imprimirlo con una tinta de color, o podemos optar por un papel con color, teñido en masa (algo que nos aportará ventajas a la hora de hacer hendidos y plegados). La amplia variedad de papeles creativos disponibles en el mercado hoy en día nos facilitan ese trabajo, y se convierte en una posibilidad más a la hora de desarrollar un concepto creativo.

Jose-Anne d’Auvergne, jefa de marketing de Arjowiggins, una empresa papelera con más de 320 años en el sector y líder en la fabricación de papeles creativos, nos cuenta: «En Arjowiggins tenemos una auténtica pasión por los papeles creativos. Nuestra misión siempre ha sido ayudar a los diseñadores, los impresores, los publicistas y las marcas a materializar las calidades exclusivas de la imprenta proporcionándoles los más exquisitos papeles del mercado».

En su misión por proveer a la industria creativa de una extensa paleta de colores, en 2018 Arjowiggins trabajó con los expertos coloristas de Atelier 3D Couleur para ampliar la paleta de color de sus papeles creativos incluyendo 60 nuevos colores. Y ahora ha lanzado un nuevo formato de catálogo para potenciar la inspiración y favorecer la creatividad.

«La clave para ampliar nuestra gama de colores era ofrecer lo que era tendencia, había que actualizar nuestra paleta de colores».

Jose-Anne d’Auvergne, jefa de marketing de Arjowiggins

Para ello, asegura d’Auvergne, no podían hacerlo de una manera caprichosa, sino que tenían que trabajar con expertos coloristas. De esta forma, dispusieron todos sus colores actuales en una pared y, con un enfoque tan visual apareció de manera obvia dónde había un hueco, una carencia, y estratégicamente crearon nuevas gamas donde les parecía que faltaba un color.



«La idea era ofrecer a nuestros clientes la posibilidad de expresarse no solo con papeles mate lisos, sino también con papeles gofrados, y papeles metalizados (que también pueden ser gofrados)».

Jose-Anne d’Auvergne, jefa de marketing de Arjowiggins

Su objetivo era poder ofrecer productos que funcionaran bien juntos, no solo en su gama, sino en varias de sus gamas. Para eso fue ideal crear paletas de colores complementarios, porque, según cuenta d’Auvergne, invitan a creativos y clientes a emparejar sus productos y también les ofrece un abanico más amplio en términos de posibilidades creativas.

Ahora Arjowiggins ha lanzado al mercado una nueva herramienta para facilitar a los diseñadores la elección de una combinación perfecta de colores. Por ello, aseguran que «constantemente, nuestra labor es escuchar y dar respuesta a nuestros clientes, y hemos creado una alternativa interactiva al tradicional catálogo de muestras. El color sigue siendo uno de los atributos clave de cualquier papel creativo y a menudo es el primer criterio a la hora de escoger un papel para imprimir o diseñar. Nuestras gamas Keaykolour y Curious Metallics tienen belleza por sí mismas, pero han sido cuidadosamente creadas para poder coexistir en armonía».


Para Jose-Anne d’Auvergne que «esta nueva herramienta permite a los diseñadores e impresores aproximarse a nuestras gamas de un nuevo modo. El formato de tarjetas sueltas invita a los clientes a jugar con el color y con los acabados; a descubrir combinaciones de colores nuevas e inesperadas que no habrían imaginado con el tradicional catálogo encuadernado».

«La nueva herramienta es ligera y compacta, lo que la hace super portátil, y además utiliza mucho menos papel, lo que la convierte en una opción más sostenible».

Jose-Anne d’Auvergne, jefa de marketing de Arjowiggins

Los 48 colores de Keaykolour junto con los 30 colores de la colección Curious Metallics y los 13 tipos de gofrado forman una paleta armoniosa y variada que combinada se multiplica exponencialmente y revela el poder del papel como soporte creativo.

Sabemos que se está imprimiendo mucho menos últimamente, y cuando los clientes quieren piezas impresas buscan que sea algo que vaya a ser recordado. En muchas ocasiones, incluso vemos que se pone menos tinta en los impresos y se está dejando hablar al soporte. Muchas veces la creatividad está en el propio papel.


admin

Mechanical Masterpieces: poleas y cuerdas mueven el arte animado

Descubrimos el trabajo de Neil Mendoza: un ejemplo de diálogo entre el mundo físico y el digital.


Siempre es interesante trabajar de manera transversal en el mundo creativo. Investigar cómo convergen las ideas. El simple hecho de realizar este ejercicio mental es casi obligatorio para encontrar buenas conexiones entre diferentes disciplinas. Seguramente, esta tarea forma parte del día a día de Neil Mendoza, si no, no se concibe su pieza de arte digital e interactivo Mechanical Masterpieces.
Fruto de tan interesante sinergia de disciplinas, Neil consigue poner en diálogo el mundo físico con el mundo digital.
Conseguir establecer esta relación creativa entre mecanismos de madera con pantallas no es tarea fácil.


Viendo su instalación, se intuye que detrás de esta pieza hay muchas horas de trabajo, sobre todo, en la parte de ingeniería de los artefactos. Poleas, palancas, fuelles, botones, forman parte de la instalación. Pintadas de blanco para no interferir con la parte estética de las animaciones de las obras de arte. En este caso, los mecanismos se convierten en algo puramente funcional, o no, según tus gustos por la bricomanía.
En cuanto a las animaciones, no tienen mayor complejidad de producción pero sí vital importancia en la comunicación que se establece con los artefactos. Las animaciones creadas son el resultado de las acciones que el mecanismo ejerce sobre el propio cuadro. Los visitantes pueden accionar estos artefactos para así activar las animaciones sin ningún límite de tiempo. Mientras sigas jugando, las animaciones seguirán teniendo su movimiento.
La interacción del mecanismo activando el vídeo animado es la clave de la pieza. Además, si pensamos que Neil Mendoza ha tenido que pensar en la programación que conecta el mecanismo con el vídeo, su capacidad de poner a conversar diferentes disciplinas, sitúa este proyecto en lo más alto del arte interactivo.

Para todos, y más para los que se dedican a la animación, es una suerte poder localizar proyectos que hablan del mundo del motion design desde otro punto de vista. Esto nos ayuda a explicar la importancia de diversificar en la producción de piezas animadas. En la innovación está el secreto de obtener piezas fuera de lo convencional. El trabajo de Neil Mendoza, combina la escultura mecánica, la electrónica y la programación para conseguir una interesante mezcla de interacción entre lo físico y lo digital.
Esta instalación forma parte de una intervención artística Mechanical Masterpieces para el Children’s Museum of Pittsburgh. Gracias a este proyecto los usuarios han podido interactuar con las animaciones de los cuadros de pinturas como; El hijo del hombre, de René Magritte, American Gothic de Grant Wood, Terraza de café de noche, de Vincent van Gogh o Nighthawks, de Edward Hopper.
Lo digital y lo físico dándose la mano. La polea y el pixel tocándose. La modernidad revisando lo clásico.

admin

15 corrientes artísticas

Las 15 corrientes artísticas que todo diseñador debería conocer

Cuando te dedicas al mundo del diseño y en general, a la creatividad, debes saber que la inspiración puede llegar de cualquier parte, especialmente de corrientes artísticas. Por ello, estas son quince corrientes artísticas que debes conocer si trabajas en este sector.

Hay ciertos movimientos de arte y diseño con los que los creativos deben estar familiarizados. Ya sean 30, o sean 150 los años de antigüedad de dichas corrientes artísticas, el impacto de muchas de ellas siguen teniendo influencia en la actualidad, incluso de manera inconsciente.

1. Impresionismo / Postimpresionismo

The ice Floes

Claude Monet – The Ice Floes (Les Glaçons)

Desarrollado principalmente en Francia a finales del siglo XIX, el Impresionismo fue un movimiento artístico en el que un pequeño grupo de pintores, evitaba el énfasis tradicional en temas históricos o mitológicos, pasando a pintar elementos de la realidad, particularmente la naturaleza transitoria de la luz, el color y la textura.

2. Arts and Crafts

Tulip and Wilow Textile

William Morris – Tulip and Wilow Textile

Como reacción al incremento de la producción en masa y al declive correspondiente de la artesanía durante la Revolución Industrial, hubo un resurgimiento del interés por las artes decorativas en toda Europa, durante la segunda mitad del siglo XIX, conocido como el movimiento Arts and Crafts.

3. Art Nouveau

Sarah Bernhardt

Alphonse Mucha – Sarah Bernhardt

Tras la corriente del Arts and Crafts, el Art Nouveau fue un movimiento principalmente ornamental que se desarrolló en Europa y en Estados Unidos. Una característica distintiva de esta corriente es el uso de líneas asimétricas y orgánicas, en lugar de formas sólidas y uniformes, aplicadas en arquitectura, interiores y joyería, así como en carteles e ilustraciones.

4. Cubismo

Guernica

Pablo Picasso – Guernica

A diferencia de los expresivos intentos de capturar las condiciones naturales del Impresionismo y el Postimpresionismo, el Cubismo trataba objetos planos, bidimensionales y distorsionados, sacrificando una perspectiva precisa en favor de la fragmentación surrealista, con el objetivo de representar el objeto desde diferentes perspectivas.

5. Futurismo

The Strength of the Curve

Tullio Crali – The Strength of the Curve

Fundado en Italia a principios del siglo XX, el futurismo intentaba capturar el ritmo, la vitalidad y la velocidad de la vida moderna, en obras de arte sumamente expresivas que finalmente glorificaron la guerra, el fascismo y la era de las máquinas. El estilo estético se extendería más tarde por toda Europa, y especialmente en Rusia.

6. Constructivismo

Trade Union is a Defender of Female Labour

Alexander Rodchenko – Trade Union is a Defender of Female Labour

Influenciado tanto por el Cubismo, como por el Futurismo, el Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico iniciado en 1920, por el pintor y arquitecto soviético Vladimir Tatlin, coautor del llamado “Manifiesto realista”, junto a los escultores Antoine Pevsner y Naum Gabo.

7. Bauhaus

Chromatic Twist

Herbert Bayer – Chromatic Twist

Fundada por el arquitecto Walter Gropius, la enormemente influyente escuela de diseño, arquitectura y artes aplicadas de la Bauhaus, existió en Alemania desde 1919 hasta 1933, cuando fue clausurada por el régimen nazi.

8. Art Deco

American Airlines Ireland

Edward McKnight Kauffer – American Airlines Travel Poster, Ireland

Fue un importante movimiento internacional en Europa occidental y los EE.UU. El Art Deco toma muchas referencias del Art Nouveau, así como elementos de la Bauhaus y del Cubismo. Se originó en París, donde la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de 1925 le dio su nombre.

9. Surrealismo

El Gran Masturbador

Salvador Dalí – El Gran Masturbador

Al igual que el Art Deco, el Surrealismo floreció en el conocido como período de entreguerras. Surgió del movimiento Dadá ‘anti art’ a principios del siglo XX, pero en lugar de la sátira, el absurdo, una reacción negativa al horror y la inutilidad de la guerra, que fueron los temas más característicos del dadaísmo, el Surrealismo trajo una expresión creativa mucho más positiva.

10. Expresionismo abstracto

Alchemy

Jackson Pollock – Alchemy

A partir de la década de 1940, el movimiento del Expresionismo Abstracto impulsó el desarrollo del arte moderno tal como lo conoceríamos durante la década siguiente. Nueva York fue el epicentro y artistas prominentes como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline y Mark Rothko lideraron esta corriente.

11. Estilo tipográfico internacional

Brockmann

Josef Müller – Brockmann

Después de la Segunda Guerra Mundial, los diseñadores gráficos en Suiza y Alemania desarrollaron un movimiento modernista cohesivo y unificado que fue conocido como Diseño suizo, o como Estilo tipográfico internacional. Basándose en el enfoque racional de la Bauhaus, este movimiento, todavía aceptado por muchos diseñadores gráficos, se basa en la funcionalidad y la universalidad.

12. Pop Art

Michael Jackson

Andy Warhol – Michael Jackson

Fue, principalmente, un fenómeno cultural británico y estadounidense que ganó popularidad a finales de los años 1950 y 1960. El Pop Art fue nombrado así por el crítico de arte Lawrence Alloway por la forma en que elogiaba la cultura popular y elevaba los objetos comunes, a menudo poco destacables, al estado icónico, como latas de sopa, señales de tráfico y/o hamburguesas.

13. Minimalismo

Quathlamba

Frank Stella – Quathlamba

Se trata de una corriente caracterizada por la simplicidad extrema de la forma y un enfoque muy literal y objetivo. El minimalismo se originó en Nueva York a finales de la década de 1960, impulsado por la insatisfacción con la subjetividad desordenada y espontánea del Expresionismo Abstracto.

14. Postmodernismo

Spotlight

April Greiman – Spotlight

La posmodernidad fue una reacción en contra la actitud del Modernismo. En lugar del idealismo y la razón, adquirieron fuerza corrientes de pensamiento escépticas, que sospechaban de los principios que la sociedad había asumido y negaban la posibilidad de establecer verdades universales que pudieran describir el mundo que los rodeaba. Los artistas posmodernos defendieron la experiencia y la interpretación individual, frente a la aparente claridad de los principios abstractos. Como resultado, generaron un pensamiento multidimensional y, a menudo, contradictorio.

15. Memphis

Grupo Memphis

Grupo Memphis

Basándose en muchos de los principios del Posmodernismo, la estética del diseño de Memphis desafió el modernismo neutral, sobrio y funcional que lo precedió. Con sus raíces en el diseño de muebles, el colectivo Memphis Group fue fundado por el diseñador italiano Ettore Sottsass en la década de 1980, pero solo tuvo éxito durante seis años.

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McDonald’s se suma al packaging minimalista

Se trata de un packaging realizado por la agencia ​Pearlfisher​ y destaca por tener ilustraciones marcadas por un enfoque minimalista.
Poco después de que su competencia, ​Burger King​, lanzara su cambio de imagen, McDonald’s nos sorprende con un nuevo ​packaging simple pero moderno, con ilustraciones minimalistas y coloridas de la mano de ​Pearlfisher​. Esta agencia de diseño de marca con sedes en Londres, Nueva York, San Francisco y Copenhague se describe como “un grupo visionario de futuristas, estrategas, diseñadores y realistas” que crean ideas más simples, ligeras y deseables para el futuro. El packaging de McDonald’s ha sido su última creación.

Aunque se trate de un diseño plano, la nueva apariencia hace que todo su ​packaging reciba un cambio de imagen fresco, divertido, festivo y delicioso. Con formas geométricas básicas, una paleta de colores relativamente simple y una tipografía limpia y sans-serif, se logra conseguir un propósito funcional: que cada producto sea fácilmente reconocible. Gracias a estos gráficos tan evocadores y fáciles de entender, la nueva imagen se identifica alrededor de todo el mundo, que era uno de los propósitos esenciales.

«Nuestra tarea era descubrir qué era realmente especial en cada elemento del menú»

Matt Sia, director creativo de Pearlfisher

Según Barbara Yehling, directora senior de estrategia de menú global, este enfoque en la ilustración «ayudó a garantizar que este rediseño modernice nuestra marca». Además, el equipo interno de McDonald’s destaca que «resalta la especialidad de nuestro menú y cumple con nuestro compromiso con la calidad». Este proyecto ha tomado en consideración los procesos operativos que se llevan a cabo dentro de los restaurantes, permitiendo que los trabajadores sean súper eficientes gracias a su diseño simple pero eficaz.

Ha quedado claro que este nuevo enfoque ha sido un éxito, ¿Qué opinas? ¿Eres más de los nuevos gráficos de Burger King o de McDonald’s? A continuación podrás ver más imágenes sobre este rediseño:

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Etiqueta luminosa de Coca-Cola

Coca-Cola tiene etiquetas OLED para Star Wars

¿Pantalla plegable en tu teléfono? ¿Qué tal etiqueta OLED plegable en tu Coca-Cola?

Coca-Cola tiene etiquetas OLED para Star Wars

Etiqueta OLED de Coca-Cola

Se han pasado 2019 metiéndote en la cabeza que necesitas un teléfono con pantalla plegable. También has pensado en un futuro en el que tienes ese televisor enrollable y se mete en un cajoncito cuando has terminado de usarlo. ¿Por qué no ir un pasito más allá? ¿Qué te impide pensar que la etiqueta que envuelve tu cocacola podría ser OLED?

Como decía SNK: “The Future is Now”. A las toneladas de juguetes y merchandising que la nueva película de Star Wars va a generar para el consumo de fans, se suma un ítem que, de momento, sólo podrá verse en Singapur.

Al parecer, la marca ha metido una mini-pantalla OLED en su Coca-Cola de medio litro. La pantalla permite iluminar los sables de Kylo y Rey, y tiene batería para hacerlo hasta 500 veces (unos 45 minutos en total).

Aunque la etiqueta ha sido mostrada por primera vez en la Comic Con de Singapur, la distribución a buen seguro creará colas en la capital asiática ya que sólo habrá 8000 botellas luminosas para repartir. Coca-Cola anunciará a través de sus redes sociales, con la antelación justa, los lugares en los que podrán adquirirse y no nos cabe duda de que los vendedores profesionales de eBay harán lo que sea para que pocas de ellas se queden a terminar su vida en Singapur.

https://www.instagram.com/p/B5rLGyWAeHK/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=embed_video_watch_again

Como veis, el futuro ya está aquí. Los paseos por la calle de Blade Runner llenos de hologramas y de botellas luminosas están cada vez más cerca.

Todos atentos a eBay; veamos cuánto dinero se puede llegar a pagar por una botella de Coca-Cola.

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Etiquetas de vino singulares

Diez etiquetas de vino con historias singulares

Tanto el diseño de una etiqueta como el nombre del vino, además de la forma del envase son parte importante de la estrategia de marketing de una bodega. De hecho, todo producto ha de tener un nombre, un diseño, una referencia, un distintivo por el que se le conozca y lo haga singular. Por ello, algunos diseños actuales de etiquetas rompen todos los esquemas clásicos, con colores llamativos e incluso estrafalarios, con tipos de letra estrambóticos, y con nombres del vino divertidos, curiosos y caprichosos que se balancean entre los más raros y pintorescos, incluso grotescos y algunos con cierto punto irreverente, pero con mensajes e historias que, en algunas ocasiones, tienen mucho que ver con la filosofía de la bodega o el contenido de la botella.

En España hay muchos, muchísimos aunque nosotros solo hemos realizado una pequeña selección. Podemos encontrar desde los que hacen referencia a las matemáticas (¿os suena el vino catalán 1+1=3?) con nombres que parece que nos invitan a volver a la escuela hasta ejemplos relacionados con las letras, con etiquetas como Més que Paraules (Más que Palabras) en el Bages y su antónimo Sin Palabras en Rías Baixas. Otros ejemplos, podrían ser Corazón Loco (de Iniesta), De Puta Madre o el pícaro Tetas de la Sacristana, en la Alpujarra almeriense, que hace referencia a un paraje natural de dos montañas que se las conoce tradicionalmente con ese nombre.

De todos ellos, nosotros hemos seleccionado tan solo diez, entre las decenas de ejemplos, dada su singularidad ya no solo en su etiqueta sino también en el vino. ¿Los conoces? Reseñas interesantes para sorprender a tus amigos y familia esta Navidad.

1. Qué Bonito Cacareaba

Es un blanco de Rioja que al principio comenzó llamándose el “Contador de Gallo Canta”, donde Gallo Canta es una viña que Benjamín Romeo tiene cerca de la Bodega Contador, Cuando empezó a comercializarse en Estados Unidos, la bodega americana Bodegas Galo mandó una carta a Benjamín en la que le “invitaba” a cambiar el nombre o a verse en los juzgados. En ese momento pensó, “como el gallo ya no puede cantar… qué bonito cacareaba”.

Etiqueta «Qué bonito cacareaba»

2. Gallinas y Focas

Es un vino con un alto contenido social fruto de la colaboración de Amadip Esment y la bodega 4 Kilos Vinícola en VT Mallorca. Amadip Esment es una organización para que personas con discapacidad intelectual y sus familias disfruten, mejoren su calidad de vida y dispongan de las mismas oportunidades que todos los ciudadanos. Sus miembros participan activamente en todo el proceso de creación del vino siendo los principales protagonistas de este proyecto. Cuando se les preguntó por qué habían escogido dicho nombre su respuesta fue clara: las gallinas son divertidas y las focas aplauden. Al mismo tiempo se les pidió que realizaran dibujos de gallinas y focas que posteriormente servirían para ilustrar la etiqueta del vino.

imagen de vino gallinas y focas

Vino «Gallinas y focas»

3. El Marciano

Es el vino del inquieto Alfredo Maestro en la Sierra de Gredos, a 1.150 m de altitud, donde existe una zona en la que se consideran frecuentes las apariciones y avistamientos de extraterrestres y ovnis. Esta “creencia popular” da lugar al diseño de esta etiqueta que ilustra a dos marcianos ayudando en las tareas de arado al propio viticultor que llega de madrugada para preguntarles ¿qué hacéis arando mi viña?”.

vino el marciano

Etiqueta de vino «El marciano»

4. Xitxarel·lo

Xitxarel·lo es una expresión catalana que se traduce como “aprendiz de hombre”. Es decir, un joven de primera volada. Por eso su nombre hace honor a este vino blanco joven elaborado 100% con la variedad xarel·lo de la región del Penedès. El término luce en primer plano junto a otros setenta insultos catalanes serigrafiados en la botella. Todos hacen alusión a los reniegos y la mala leche de los payeses en el campo y en la viña.

Etiqueta «Xitxarel·lo»

5. Cojón de Gato

Lo elabora Lamarca Wines en el Somontano y su nombre hace referencia a una uva local que interviene en el vino, junto a la merlot y la syrah. También elabora otros vinos con nombres divertidos, como el Teta de Vaca, nombre antiguo de una variedad de Aragón, o el María de la O, entre otros.

Los vinos «Teta de vaca», «Cojón de gato» y «Ojo de Liebre»

6. El Perro Verde

Vino cuyo nombre está ligado a una producción especial que realiza la bodega A. Lorenzo Cachazo, en Rueda, para el intermediario y distribuidor Quim Vila de VilaViniteca de Barcelona. Vila solicitó un verdejo distinto, diferencial. Cuando se cató el primer vino, los interesados allí presentes lo catalogaron como un vino “raro”, tan raro como “un perro verde”.

vino el perro verde

Etiqueta «El perro verde»

7. Habla

Es el nombre de una bodega extremeña cuyos vinos quieren hacer honor a la perfección. Es decir, que para la bodega “a los vinos sólo les hace falta hablar”. Esto va unido a la leyenda que cuenta que cuando Miguel Ángel terminó su Moisés, le pareció tan real que lanzó un martillo sobre la rodilla de la escultura y le ordenó “¡Habla!”

Habla

Etiqueta «Habla»

8. La Mujer Cañón

Este vino, junto con El Hombre Bala, está elaborado por la bodega Comando G (la G está tomada de la inicial de la variedad garnacha) inscrita en la DO Vinos de Madrid.  Para todos aquellos que vivieron los ochenta el nombre seguramente les recordará a la serie de dibujos animados japoneses, Comando G, que se emitían en aquellos tiempos. La serie relataba las aventuras de cinco jóvenes que defendían la tierra de las amenazas del espacio exterior. Eran años en los que sólo existía TVE o el UHF. Por aquel entonces, series o concursos como Un, Dos, Tres, Falcon Crest, El Circo, Dallas, Mazinger Z, Comando G o La Bola de Cristal marcaron a toda una generación.  Esta etiqueta hace homenaje a un clásico de la tele de los 80, El Circo, con música de Parchís y, cómo no, a la garnacha.

Etiqueta del vino «La mujer cañón»

9. Gran Cerdo

Elaborado por la bodega The Wine Love en La Rioja, la historia de este etiqueta alude al caso real de su propietario Gonzalo. En sus inicios necesitaba 6.000€ para embotellar una de las añadas. Era una cantidad pequeña y decidió acudir a la caja de ahorros y pedir un préstamo por esa cantidad. Su indignación – e inspiración para el nombre del vino- fue fruto de la respuesta obtenida: le denegaron el préstamo porque “el vino no era un bien embargable”.  Finalmente, reunió el dinero gracias a sus amigos. Sobran más explicaciones sobre a quién rinde homenaje este vino.

«El gran cerdo»

10. La Malkerida

Es un vino elaborado por David Sampedro en Utiel-Requena cuyo objetivo era otorgar mayor reconocimiento e identidad a la variedad bobal. Esta uva es la segunda más plantada en España pero también la más maltratada e incomprendida en muchas ocasiones. De hecho, muchos todavía la identifican con producciones a granel. Sin embargo, gracias al trabajo de nuevos y jóvenes productores -como David- se está experimentando un cambio de tendencia con la creación de productos originales y con identidad propia a partir de esta variedad.

Vino «La Malkerida»

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El Prado cumple años

El Museo del Prado cumple dos siglos

Este 19 de noviembre se celebran los 200 años del Museo Nacional del Prado. EL PAÍS repasa los mejores reportajes, vídeos y especiales publicados en este año de celebraciones.

Fachada del Museo El Prado conmemorando estos 200 años

El Museo Nacional del Prado celebra este 19 de noviembre su bicentenario. Aunque el museo fue fundado ese día de 1819, el edificio que le sirve de sede fue diseñado en 1785 por el arquitecto Juan de Villanueva como Gabinete de Ciencias Naturales por orden de Carlos III. Su nieto, el rey absolutista Fernando VII, se encargaría de depositar décadas después parte de las colecciones reales que se habían ido conformando desde el siglo XVI, primero con los Austrias y posteriormente con los Borbones. Entre las piezas que habían ido acumulando los distintos monarcas españoles sobresalen tesoros como El jardín de las delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco; Las meninas, de Velázquez y La familia de Carlos IV, de Goya, entre otros.

La llegada a España en 1823 del contingente francés de los Cien mil hijos de San Luis; la Revolución de septiembre de 1868 o, ya en el siglo XX, la Guerra Civil, marcarían algunas de las etapas más complejas de la historia de la pinacoteca. Desde el comienzo de la contienda en 1936 se desarrolló la operación de salvamento de patrimonio español más importante de la historia: un éxodo que se prolongó durante tres años en el que las fuerzas republicanas evacuaron de España las principales obras del museo. Gestionado en la actualidad por Miguel Falomir, el Prado ha contado con una treintena de directores a lo largo de su historia. Durante la Guerra Civil, Pablo Picasso fue designado en el cargo por el Gobierno de la Segunda República, aunque nunca llegó a tomar posesión y tampoco fue jamás destituido.

A lo largo de estos dos siglos, el número de visitantes ha ido creciendo exponencialmente, hasta alcanzar los 3.672.853 en 2018. En este tiempo se han acometido varias reformas sobre el edificio original de Villanueva, la primera en 1847. El proyecto de ampliación más ambicioso se llevó a cabo entre 2001 y 2007, cuando Rafael Moneo diseñó un anexo a la sede original, la llamada «ampliación de los Jerónimos». En la actualidad, el Museo del Prado posee 8.100 obras, de las que unas 1.300 se muestran en sus salas a lo largo de todo el año en su colección permanente. Entre las joyas de la pinacoteca destacan, además de los anteriormente mencionados, cuadros como La anunciación, de Fra Angélico; El descendimiento de la cruz, de Roger van der Weyden; el Autorretrato de Alberto Durero y Las tres gracias, de Rubens, entre otros muchos.

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IES Santa Clara premio por sus 180 años

Santander otorgará la Medalla de Oro de la ciudad al IES Santa Clara

El centro cumple 180 años y el Ayuntamiento quiere reconocer su «innegable aportación educativa» a la ciudad.

Santander otorgará la Medalla de Oro de la ciudad al IES Santa Clara

Edificio del IES Santa Clara

Santander ha dado los primeros pasos para otorgar la Medalla de Oro de la ciudad al Instituto de Educación Secundaria Santa Clara, que este año celebra su 180 aniversario. Así lo ha anunciado la alcaldesa, Gema Igual, tras reunirse con el director del centro, Silvino Corada, al que le ha trasladado la propuesta del equipo de Gobierno de conceder la medalla al centro de enseñanza.

Durante la reunión, en la que han estado presentes las concejalas de Educación y Cultura, Noemí Méndez y Maria Luisa Sanjuán, Igual ha reconocido los «importantes méritos» de este IES que tiene el reconocimiento de Centro Histórico Educativo de Cantabria y además fue el primer instituto de la comunidad.

La regidora ha subrayado la «innegable aportación educativa» del centro a la formación de los miles de alumnos que han pasado por sus aulas durante décadas y ha recordado que sus 180 años de historia «hablan por sí solos».

Igual ha informado de que acaba de iniciarse el expediente, de forma que el siguiente paso será la petición de informes a entidades representativas del mundo de la educación y la cultura para, a continuación, seguir con la tramitación para la concesión de la Medalla, con la idea de poder entregar el distintivo la próxima primavera.

Según ha resaltado la alcaldesa, la Medalla de Oro es uno de los mayores reconocimientos que contempla el Reglamento de Títulos, Honores y Distinciones del Consistorio santanderino.

Se otorga como recompensa a aquellas personas físicas o jurídicas, públicas o privadas, que se hayan distinguido en cualquier rama de la cultura, el espectáculo, el deporte, la ciencia, la economía, la acción social o la comunicación por una larga trayectoria de servicios eminentes y excepcionales a la ciudad.

Visitando el centro

Un centro que arrancó en 1838

En 1838 el antiguo centro inició su actividad académica y cultural en Santander, ocupando las instalaciones del Convento de Santa Clara de estilo gótico del siglo XIV.

El edificio actual del Instituto acaba de cumplir 103 años desde su inauguración (1916-2019), ya que el antiguo inmueble se destruyó y solamente quedan algunos muros de cimentación, algunas piezas góticas y sótanos.

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Escalera interior del IES Santa Clara

No obstante, el edificio actual del centro educativo posee una estructura imponente que destacaba sobre la ciudad antes del incendio de 1941, y además se libró del fuego.

El Instituto Santa Clara fue el centro de referencia para los más importantes escritores y personajes del ámbito cultural de Cantabria. Nombres como José María de Pereda, los hermanos Menéndez Pelayo, Sanz de Sautuola, González de Linares, Gerardo Diego, Amós de Escalante, León Felipe, Manuel Llano o Matilde Camus pasaron por sus aulas como alumnos primero y algunos también de profesores.

En la actualidad se imparte estudios de Bachillerato en todas sus modalidades (incluido Artístico e Internacional) ESO y Ciclos Formativos, aunque albergó, además de los estudios de Segunda Enseñanza y Bachillerato, los estudios de Magisterio, Náutica, Comercio, Artes y Oficios.

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El nuevo logotipo de Warner Bros

Warner Bros rediseña su logo y lo hace con Pentagram

Dado que Pentagram ha estado rediseñado la imagen de los estudios Warner Bros durante años, no extraña que haya sido esta agencia la elegida para hacerlo de nuevo.

La ya icónica marca de Warner Bros es de sobra reconocida por el público. Su larga trayectoria y su aparición en todas sus películas ha hecho posible que el espectador encuentre esta marca muy familiar. Pero a pesar de ello, el estudio no contaba con una imagen que cohesionara todos sus productos audiovisuales. Necesitaban un rediseño que permitiera guardar bajo un mismo paraguas y de forma coherente todas sus producciones sin importar en qué tipo de plataforma vaya a verse.

Logotipo Warner Bros antes y después

Warner Bros tomó la decisión de llevar a cabo este rebranding ya que parecía encontrarse en un punto entre el pasado y el futuro.

De hecho, en 2023 celebrarán su 100º aniversario, por lo que los ejecutivos ya se preparaban para asumir nuevos cambios a nivel comercial.

Según Dee Dee Myers, vicepresidente ejecutivo de comunicaciones corporativas y asuntos públicos mundiales de Warner Bros., la proliferación de contenido en streaming ha ampliado la competencia del estudio más allá de otros estudios de cine, surgiendo plataformas como Netflix, Hulu, Disney+ y servicios similares.

La identidad visual les parecía un poco anticuada, pero es que además encontraron que también necesitaban cambiar la estrategia de marca.

Con el problema identificado y definido acudieron a Pentagram. Más concretamente al equipo de Emily Oberman.

Pentagram, en lugar de ver esta tensión entre el pasado y el presente como un problema, lo vieron como una solución de diseño para la marca. Teniendo en cuenta que se trata de una marca muy consolidada a nivel visual, consideraron que con unos ajustes se podría reestablecer la coherencia general al mismo tiempo que se podía marcar la diferenciación que la compañía buscaba. Todo ello contando con que la marca aparecería en todo tipos de dispositivos, ya sean móviles o pantallas de cine. Según Pentagram, lo que realizaron no fue un rebranding sino una recalibración.

Según Oberman, el equipo tenía como objetivo darle a Warner Bros una voz personal que, sin dejar de hablar de quiénes son, hablara sobre futuro. También que esta pudiera diferenciar a la compañía de sus competidores al mismo tiempo que pudiera establecer su propio espacio en el mundo online. Para ello, tendrían que transmitir algo en lo que la Warner Bros cree fielmente; en el poder de la historia.

Con este objetivo en mente, durante un año estuvieron trabajando en la estrategia de la marca. El resultado fue una guía visual de la marca. En cuanto al logo, este seguiría siendo reconocible y familiar para el público, pero sufriría algunos cambios con la finalidad de hacer el escudo más elegante y limpio. Para ello, se redibujaron los caracteres ‘W’ ‘B’ en busca de un mejor equilibrio. El color también se modificó. Se escogió un azul más brillante.

Hay dos versiones del logotipo: una versión plana y una versión dimensional —solicitada por las divisiones de TV y cine de Warner Bros—. Las paletas secundarias dependerán del contenido en sí. El equipo de Pentagram quería crear un logotipo que se viera como contemporáneo y al mismo tiempo funcionar como una esponja que absorbiera cualquier historia que Warner Bros fuera a contar.

Las dos versiones del nuevo logotipo

La tipografía también ha sido un elemento fundamental en este rediseño. Se ha creado Warner Bros Sans, una tipografía creada a partir de las iniciales ‘WB’ del escudo e inspirada en el Art Decó de los años 20, década en la que nació la compañía. Con esta tipografía pretenden que, aunque el escudo no esté presente, se note que se trata de Warner Bros.

Tras tres años desarrollando la estrategia de marca, el desarrollo visual y los preparativos del lanzamiento, ya puede verse el resultado de todo este trabajo implementado en los soportes de Warner Bros, incluido el famoso depósito de agua.

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El nuevo logo de la compañía FACEBOOK

Facebook cambia su logo en un intento de dejar atrás sus problemas

Facebook ahora es FACEBOOK, todo en mayúsculas y con un logo que cambia de color: del azul de la red social al degradado de Instagram, pasando por el verde de WhatsApp.

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La nueva identidad de la compañía FACEBOOK

Hablar de Facebook siempre invita a la confusión. ¿De qué hablamos, exactamente, de Facebook la red social o de Facebook la compañía, dueña también de Instagram o WhatsApp?. Ahora, por fin, hay un modo de distinguirlas aunque no sea particularmente práctico o ingenioso. FACEBOOK, la compañía, ahora se escribe en mayúsculas. A veces.

«Hemos actualizado la marca de nuestra compañía para que sea más clara acerca de los productos que provienen de Facebook. Tenemos un nuevo logotipo para distinguir mejor la compañía de Facebook de la aplicación de Facebook, que mantendrá su propia marca», explica Antonio Lucio responsable de marketing de la empresa en una entrada del blog de la empresa en el que Facebook, la compañía, sigue escrito en minúsculas -la versión en mayúsculas sólo está pensada para ser utilizada como logotipo-.

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El nuevo logo en Instagram

El nuevo logo, además, no tiene un color fijo, sino que se adapta a los diferentes productos de la compañía. Un FACEBOOK azul se podrá ver en la web de la red social Facebook, uno púrpura y naranja en la aplicación Instagram y uno verde en WhatsApp. El logo comenzará a parecer en las distintas aplicaciones a lo largo de la próxima semana.

Logo de la compañía Facebook

El cambio de imagen, en cualquier caso, llega en buen momento para la compañía, asediada por la crítica debido a los continuos problemas con el acceso a datos personales de sus usuarios y la estrategia tomada en torno a los anuncios electorales. La semana pasada Mark Zuckerberg tuvo que comparecer ante el congreso de los EE.UU. para explicar su decisión de no verificar la información publicada en anuncios políticos dentro de su plataforma.

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