Café 96 Espresso
El juego tipográfico en el packaging dinámico de café 96 Espresso
El estudio creativo griego, Mousegraphics, diseñó el packaging de café de la nueva marca de espresso, B2B, orientada a las empresas de café a nivel internacional y griego.
Tazas de café 96 Espresso
El briefing del proyecto consistía solo en una frase: «Hemos lanzado la nueva marca de café espresso y necesitamos desarrollar su identidad en diversas vías y aplicaciones». Mousegraphics ha conseguido encontrar una solución elegante, precisa y geométricamente perfecta.
Packaging de café 98 Espresso «mogiana»
Para Mousegraphics, el diseño es un ejercicio interminable de comunicación, donde la investigación es uno de los pilares básicos. Al investigar los aspectos del arte de la elaboración de café espresso, el estudio ha destacado la importancia de la temperatura de elaboración de café y su efecto en el sabor y extracción final. Por ello, han decidido utilizar la temperatura de 96º C –considerada la ideal para un resultado equilibrado– como base para la identidad de la marca.
El estudio ha jugado con la traducción italiana, novanta sei, y la ha convertido en un logotipo memorable a través de una tipografía que, en primer lugar, destaca la belleza formal de los dos dígitos, 9 y 6, que reflejan el uno al otro en sentido inverso; y, en segundo lugar, acentúa su ambigüedad divertida mediante el reflejo de sus formas. Esta idea ha servido para creación del packaging y del diseño de las tazas.
Packaging de café 96 Espresso «habit»
El packaging de las tres variaciones de café se distingue por los tonos de colores de las dos cifras y por la información sobre el aroma y la intensidad, ubicada en la parte frontal de cada paquete.
Packagind de café 96 Espresso»collection»
Mousegraphics ha añadido una imagen de vapor de café –sombría, fuerte y oscura– que produce un efecto animado mientras se eleva en cada paquete. Un diseño bien acabado, que despierta nada más que el deseo de hacer una pausa y disfrutar de un café.
Premio Nacional de Diseño
El Ministerio se olvida del Premio Nacional de Diseño, otra vez
Ha vuelto a ocurrir. El Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades ha vuelto a llevar a los Premios Nacionales de Diseño al ostracismo. Desgraciadamente, no es algo nuevo ya que, desde que fueron creados en 1987, ha ocurrido hasta en seis ocasiones: 1991, 1993, 1994, 1996, 2009 y 2014.
Premios Nacionales de Innovación y de Diseño
Bien entrados ya en el 2019, cuando todos los Premios Nacionales –como el Premio Nacional de Cómic 2018, el Premio Nacional de Fotografía 2018, Premio Nacional de Artes Plásticas 2018, el Premio Nacional de Ilustración 2018 o el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial 2018– ya han sido otorgados, los Premios Nacionales de Diseño e Innovación de 2018 han quedado desiertos. Los mismos premios cuyo objetivo, según el Ministerio, es el de «extender, potenciar e impulsar la cultura del diseño; promocionar el diseño en todos sus aspectos, destacando las manifestaciones ejemplares en la relación entre diseño y empresa por un lado y su incidencia cultural y social por otro; y llevar a cabo una labor pedagógica para la correcta valoración y comprensión del diseño por parte de la sociedad».
Según los agentes relacionados con la organización y difusión de los Premios, así como la Red Española de Asociaciones de Diseño, las razones por las cuales no se han convocado los Premios Nacionales de Diseño 2018 se deben, básicamente, a un cambio de bases que todavía no ha sido aprobadas.
«Se nos ha informado que, aprovechando la experiencia acumulada a lo largo de las pasadas ediciones de los Premios Nacionales de Innovación y Diseño y con objeto de dar cabida a algunas de las peticiones del sector […], se han redactado unas nuevas Bases Reguladoras que sustituirán a las establecidas en la regulación previa […]. El proceso administrativo de autorización de estas nuevas Bases Reguladoras aún no ha finalizado, razón por la cual aún no se pueden convocar los premios», explicaba el comunicado en la web de READ.
Desde el Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, Felipe Formariz (Subdirector General de Coordinación y Relaciones Institucionales y Presidente de Asoc. Administradores Civiles del Estado) lo corrobora aduciendo una falta de tiempo:
«Nos hubiera gustado haber tenido preparadas las nuevas bases a tiempo pero, por desgracia, los procedimientos en la Administración van un poco más lentos de lo que nos gustaría. En principio se pensó que iba a dar tiempo, pero más tarde resultó que no. Estamos reclamando los informes con el objetivo de poder publicar las nuevas bases lo antes posible para poder poner en marcha la nueva convocatoria».
Al parecer, esta falta de previsión de tiempo, ha provocado que la pasada edición de los Premios Nacionales no incluyeran entre sus premiados a ningún representante del sector del diseño. Resultado que repercute negativa y directamente en el sector del diseño.
Aunque el presidente de READ, Vicente Gallega, no considere que este hecho suponga una muestra de menosprecio por parte del Ministerio hacia los diseñadores, admite que la no convocatoria de los Premios Nacionales de Diseño 2018 «supone que nos quedamos un año más sin el reconocimiento oficial al sector de diseño por parte del Estado», y añade: «Voy a darles un voto de confianza. Desde el Ministerio, se están tomando muy en serio al diseño y por lo tanto no lo voy a tomar como una falta de consideración. Quieren actualizar las bases para, al menos, intentar que no vuelvan a ocurrir».
Moon Wine y su packaging de origami
Moon Wine, el packaging minimalista y exclusivo hecho a mano e inspirado en origami
Moon Wine 2018, diseñado por Moon Troops –una joven agencia creativa de Lituania– es el vino que regalan a sus clientes. Su diseño de packaging es especial: está hecho completamente a mano y está inspirado en el origami de estilo Yoshimura.
Diseño del packaging Moon Wine
El exclusivo packaging de Moon Wine se basa en dos pilares: el primero, la paleta de colores monocromáticos –blanco, negro y plata– y, segundo, el estilo Yoshimura pattern de origami –también conocido como diamond pattern– para el diseño de la caja de vino. En conjunto, el packaging transmite una estética minimalista y sofisticada.
Packaging Moon Wine diseño Diamond pattern
Cabe destacar el juego de los símbolos geométricos –de ángulos agudos o de formas perfectas como el círculo– de la etiqueta que componen la palabra ‘Moon’, refiriéndose al nombre del vino. Ahí se recopilan atributos tanto festivos como de la naturaleza: el árbol de Navidad, las cajas de regalos, el círculo como símbolo de infinidad de vida y, por supuesto, la luna.
Etiqueta Moon Wine
Celebrar la Navidad y la Noche Vieja es algo muy importante en Lituania, al igual que transmitir la creatividad de la marca al mismo tiempo que se muestra una atención personalizada a los clientes. Esta es la razón por la cual el packaging hecho a mano se convirtió en una gran tradición para Moon Troops.
«Esto se ha convertido en una agradable tradición. Este es el tercer año que hacemos una edición limitada navideña de vino, creando el packaging a mano. Esta vez hicimos cajas y etiquetas extraordinarias. Diseñamos esta pequeña edición limitada, hecha con nuestras manos y mentes, demostrándoles a nuestros clientes el amor y el cariño que les tenemos», comentan diseñadores de Moontroops.
Detalle de la etiqueta Moon Wine y sus texturas
Carteles Fallas 2019
Así es la imagen de las Fallas 2019
‘Pepet i Floreta’ protagonizan la cartelería, elaborada por el Premio Nacional de Diseño, Dani Nebot
Imagen de las Fallas 2019 de Dani Nebot (LVD)
Las efigies de ‘Pepet’ i ‘Floreta’ -dos personajes caracterizados de fallero y fallera- son las protagonistas de la imagen gráfica elaborada por el Premio Nacional de Diseño Dani Nebot para la edición de este año de la fiesta grande de València, las Fallas de 2019.
El concejal de Cultura Festiva del Ayuntamiento de València, Pere Fuset, las falleras mayores de València, Marina Civera y Sara Larrazábal, y el propio diseñador han descubierto los diversos carteles en un acto celebrado en el Salón de Cristal del consistorio con una nutrida presencia de profesionales valencianos del diseño, ha informado el consistorio en un comunicado.
Imagen de las Fallas 2019 de Dani Nebot (LVD)
Fuset ha explicado que la elaboración de los carteles oficiales y todo el desarrollo gráfico para identificar y comunicar los actos más relevantes de las Fallas 2019 han sido diseñados e ilustrados por el diseñador Dani Nebot, Premio Nacional de Diseño, lo que “supone una gran oportunidad para las Fallas, que son el mayor festival de arte público del mundo y merecen contar con los más grandes artistas, también en su comunicación”. Por eso “contar con Nebot es una oportunidad para continuar captando la atención de nuevos públicos, más allá de quienes ya conocemos y queremos las Fallas”, ha afirmado.
Nebot ha explicado que el cartel, en sus dos versiones, reproduce sendas efigies de valenciana y valenciano “como protagonistas activos o pasivos, pero indispensables, de la fiesta de las Fallas”, con que todos los años recibimos la primavera. Las dos figuras “representan a toda la ciudadanía y, en su simplicidad, pretenden transmitir los valores que toda fiesta quiere difundir: cordialidad, alegría, diversión, sorpresa”. Lo hacen “con impacto visual y facilitando su correcta interpretación”.
Una figura para cada acto
Como ha sido habitual durante este mandato, los carteles principales se complementan con un desarrollo gráfico importante, que en este caso consta de un conjunto de cinco figuras -para comunicar diferentes actos falleros como la Exposición del Ninot o la Cabalgata del Fuego- que mantienen la personalidad visual de las dos primeras figuras, pero incorporan el cuerpo, el movimiento y otros elementos que añaden información y los sitúan en el contexto de cada una de las actividades a que hacen referencia.
Está previsto reproducirlos recortando la silueta y con una estructura autoportante, para usarlos como elementos de señalización de los diferentes espacios donde tienen lugar los diversos actos. Se reproducirán, además, en otros apoyos de diferentes tamaños, materiales y funciones que se requieren en el programa de comunicación.
Imagen de las Fallas 2019 de Dani Nebot (LVD)
Para Nebot, la imagen diseñada para estas Fallas 2019 “es una promesa de diversión, de alegría, de convivencia, y quiere ser un homenaje a los auténticos protagonistas de la fiesta, a cada una de las personas que habitan esta ciudad, los anfitriones, y cada una de las que viene de fuera a disfrutarlas con nosotros”.
Fuset ha destacado que “hace unos pocos años era impensable que un Premio Nacional de Diseño pudiera optar a este encargo por el tipo de procedimiento, pero gracias a las nuevas bases de selección consensuadas con los profesionales estamos devolviendo el cartelismo festivo a una senda histórica por la que han pasado los mejores de cada momento, con nombres como Segrelles, Raga, Contreras, Lorenzo y Renau”.
Imagen de las Fallas 2019 de Dani Nebot (LVD)
Además, ha explicado que “en los últimos años ya se ha conseguido explicar que no se trata solo de tener un cartel como se quería a principios del siglo XX, sino de dotarnos de una campaña de comunicación global que nos permita llamar la atención sobre una gran pluralidad de aspectos de la fiesta de manera artística, respetuosa con la tradición y adaptada a las necesidades del siglo XXI”.
Como en los últimos años, además de en la ciudad de València, los carteles y el material gráfico también se distribuirán por otros espacios del ámbito nacional e internacional para promocionar las Fallas. Los carteles también se difundirán a través de diferentes medios de comunicación y de las redes sociales municipales.
TIFF, JPEG, GIF, PNG
TIFF, JPEG, GIF, PNG… ¿Por qué guardar en un formato u otro?
Habitualmente cuando guardamos un archivo gráfico, normalmente una foto, nos preguntamos cuál sería el mejor formato: TIFF, JPEG, GIF, PNG… Normalmente utilizamos aquel que por costumbre recibimos y no nos preguntamos qué hay detrás de cada sigla. Hoy pretendemos que conozcas que hay sutiles y grandes diferencias entre uno y otro formato.
TIFF (Tagged Image File Format)
Los archivos TIFF fueron diseñados a mediados de los años 80 por la compañía Aldus –¡qué recuerdos!– para almacenar imágenes de alta resolución utilizando etiquetas, aunque ahora pertenecen a Adobe, que se fusionó con Aldus en 1994.
Lo más importante de este formato es que es un formato sin pérdida. Es decir, que podemos abrir y cerrar el documento, guardarlo tantas veces como queramos que permanecerá inalterable. También pueden comprimirse empleando varios algoritmos distintos sin perder calidad.
Otra ventaja de este formato es su implantación. Y es que los ficheros TIFF pueden ser manipulados prácticamente por cualquier aplicación de edición fotográfica o diseño del mercado. Actualmente, pueden almacenarse además con capas, no es necesario utilizar el formato PSD para ello.
JPEG (Joint Photographic Experts Group)
Actualmente es el rey, pero no necesariamente es la mejor opción. Antes de la aparición de internet todo el mundo trabajaba en alta resolución, con lo que utilizar formatos de archivo comprimidos era casi una necesidad de transporte ya que los dispositivos no eran muy amplios en memoria.
Con la aparición de la web era necesario poder utilizar imágenes sin la pesada carga de memoria de la alta resolución para imprenta y poder transmitirlos con las exiguas conexiones de entonces.
El comité de expertos Joint Photographic Experts Group (JPEG), formado en 1986 se puso a crear el algoritmo para que esto fuera posible y en 1992 presentó el estándar para la compresión y codificación de imágenes. El gran éxito fue la liberación del algoritmo como software libre que supuso la implementación en numerosas empresas que gestionan imágenes y que por ello no debían pagar licencias o patentes.
Su funcionamiento básico es simple de entender, aunque complejo a la vez, siendo importante entenderlo para saber si nos conviene su uso o no.
Cuando hablábamos del formato TIFF decíamos que es un formato sin pérdida. Sin pérdida significa que cada uno de los píxeles que tiene una imagen se guardan cada vez exactamente como son y donde están. En el caso del formato JPEG no es así. Es un formato con pérdida.
En el formato JPEG cuando guardamos una imagen el algoritmo hace un rastreo de cada línea de píxeles y toma decisiones al respecto. Cuando encuentra en una línea dos píxeles contiguos muy parecidos en sus valores de colorimetría decide qué píxel se guardará y cuál eliminará. Cuando la imagen se abra de nuevo, aquel píxel que era muy similar al otro ya no estará y se colocará en su lugar solo otro píxel ‘inventado’ o igual al que estaba a su lado en la imagen original.
Lo podemos ver en las tres imágenes de arriba. Como se puede observar en el detalle en la primera sin comprimir, aparecen unos píxeles azules al lado de la banda verde, pero en las sucesivas compresiones estos píxeles desaparecen. Desaparecen los matices. Incluso la banda más clara en diagonal que se juntaba con la zona verde ahora está separada.
Esto mismo se repite en cada una de las líneas de píxel de cada imagen. Esto supone un ahorro en memoria considerable. ¿Pero cuál es el precio? Cuando se nos pregunta por la calidad del archivo en el momento de guardar es ahí donde estamos decidiendo cuál es el nivel de sustitución que queremos. Si decidimos una calidad muy baja lo que estamos haciendo es ampliar el rango de píxeles ‘parecidos’ que eliminará la compresión, lo que inevitablemente hará perder matices de la imagen y por tanto calidad.
JPG Alta Calidad – Compresión 80.
JPG Baja Calidad – Compresión 10
Hay que tener en cuenta que aunque le digamos ‘máxima calidad’ al guardar un jpeg estamos igualmente teniendo pérdida. Una pérdida muy pequeña y que en la mayoría de ocasiones no vamos a diferenciar por mucho que nos esforcemos. Es decir, se puede guardar para imprenta en JPEG a máxima resolución y nuestras fotos se imprimirán sin problemas.
El formato JPEG puede ser destructivo. Si tenemos una imagen guardada en ese formato y la abrimos y la volvemos a guardar de nuevo en JPEG, y así sucesivamente nos daremos cuenta que poco a poco la imagen se va desvaneciendo y aplanando. Haz la prueba y verás.
GIF (Compuserve GIF)
Es un formato de imagen para mapas de bits de hasta 256 colores, 8 bits. Es decir, que la imagen solo se puede componer con 256 tonos de color y por tanto limita su uso o calidad.
En su momento era un formato muy útil ya que utilizaba un algoritmo de compresión LZW que permitía la descarga más o menos rápida de las imágenes en las lentas conexiones de los finales de los 80 y principios de los 90.
La calidad si se afina bien el nivel de color y compresión puede ser muy buena. Su característica más común es la aparición de pequeños puntitos o granulado en la imagen.
GIF 8 colores con tramado 100%. Es una calidad baja y con 256 colores se puede llegar a una calidad muy aceptable
Su gran funcionalidad es la animación. Es un formato que permite incluir diferentes pantallas dentro del mismo archivo y de ese modo generar animación. Actualmente es el formato de los banners de internet con animación.
Otra funcionalidad muy interesante es la posibilidad de hacer transparencias. Uno de los 256 píxeles se le adjudica la función de transparencia y posibilita la integración con fondos de un modo mucho más armonioso.
Unisys, propietario de la patente del algoritmo LZW que se utiliza en el formato GIF reclamó durante años el pago de los derechos por su uso. Compuserve, al desarrollar el formato, no sabía que el algoritmo LZW estaba cubierto por una patente. Debido a esto, cualquier programa capaz de abrir o guardar archivos GIF comprimidos con LZW debía cumplir con sus exigencias.
PNG (Portable Network Graphics aunque algunos dicen que es el acrónimo de Png No es GIF)
Este formato surgió ante la imposibilidad de utilizar GIF si no se pagaba la licencia de la compresión LZW a Unisys que exigía en 1995 el pago de su formato a las diferentes empresas que lo usaban sin pasar por caja.
PNG 24 bits con transparencia
El formato es parecido a GIF y a JPEG, pero con matices. Es un formato con paleta de color de mapa de bits como GIF pero mejorado ya que tiene hasta 24 bits por los 8 bits del GIF. Y por otro lado actúa en cuanto a la compresión mejor, en algunas situaciones, que el formato JPEG. Es un formato sin pérdida pero con compresión.
JPG Calidad 10 – Peso 7 Kb
PNG 8 bits – Peso 22 Kb
PNG en imágenes con masas de color continuas actúa mejor que JPEG ya que no genera el típico ruido o suciedad de píxeles que sucede al descomprimir un archivo JPEG. Nótese en la sombra de la imagen de arriba. Está especialmente indicado en ilustraciones con masas de color o incluso en algunas imágenes con zonas de color muy amplias (cielos, retratos con fondos continuos…) también en iconos o gráficos vectoriales convertidos a mapas de bits.
Una particularidad que hereda de GIF es la posibilidad de hacer transparencias. Algo que amplía su radio de acción con relación a JPEG. En muchas ocasiones queremos colocar un logo, símbolo o tipografía con el fondo transparente y la opción de PNG es la mejor opción.
En ocasiones, la diferencia entre JPEG y PNG es apenas perceptible, hay que probar las dos versiones y para ello Photoshop en su opción exportar para web, nos deja visualizar de forma comparada antes de guardar el archivo.
Hyuro, la artista de murales y calles del mundo
Hyuro, la artista tras los dibujos íntimos que cubren murales y calles de todo el mundo
La artista originalmente de Argentina que ahora reside en Valencia, Tamara Djurovic –conocida como Hyuro– viaja por el mundo para inmortalizar su legado ilustrativo en paredes y calles de Brasil, Italia, España, Bélgica y Países Bajos. Con composiciones que rescata de sus sueños, sus obras combinan cuestiones políticas y una sensibilidad surrealista, creando un estilo íntimo, honesto y suave que contrasta con elementos arquitectónicos y entornos urbanos.
O que fica (What Remains). Belo Horizonte, Brasil, 2018.
Mujeres invisibilizadas, personas que luchan a diario, promesas y sueños rotos, objetos ordinarios, emociones sinceras, chispas de vida en laberintos urbanos. Así es el arte callejero de Hyuro que no pinta en la calle, sino «habla con la calle». El famoso graffitero nacional Escif (Premio Gràffica 2011) la describe así: «Su trabajo es íntimo y muy personal; su universo, inquietante y seductor. Su lenguaje es sincero y cercano. Su cabeza son sus manos y su pintura es un regalo para las calles de la ciudad».
Heerlen, Países Bajos, 2018.
El artista, también conocido por su libro Elsewhere, admite que en su trabajo, Hyuro no habla de ella, sino habla con ella. «Utiliza la pared como un espejo en el que se busca constantemente y es, en este proceso, que la pintura rescata el eco de esa conversación que mantuvo con ella misma», enfatiza Escif, la persona con la que Hyuro forma un dúo de street artists. Su arte va, sin duda, más allá del muralismo.
The action of occupying a space. Stavanger, Noruega, 2016.
Hyuro usa colores suaves, casi pálidos que capturan la delicadeza de sus sujetos pintados. Dibuja ropa, situaciones u objetos que recuerdan momentos –épocas o incluso siglos– cuando las mujeres solo se percibían como amas de casa. De ahí a que las dibuje sin caras, prestando especial atención a detalles de sus cuerpos. Sin embargo, más allá de cualquier crítica específica de género, Hyuro explora no solo complejidades de los seres humanos, sino también se centra en sus experiencias personales y emociones puras y difíciles.
«Al acercarnos, encontramos la atracción de quien encuentra una ventana abierta. Hyuro nos hace este regalo con cada pared que pinta, permitiéndonos conocer un poco más de ella y, sobre todo, un poco más de nosotros mismos.
En este ejercicio de reconocimiento, nos enfrentamos con la evidencia de que lo salvaje es un estado primario en el que todos somos iguales. El personaje que vemos en la pared no es nadie y somos cada uno de nosotros… las mujeres, los lobos, los niños, los enamorados…. los otros. Sí, los otros.
Hyuro no pinta en la calle. Hyuro habla con la calle. Y lo hace con tanto respeto y cariño, que somos los demás los que, al acercarnos, pintamos las paredes que ella tan solo susurra.
Silencio… las paredes todavía tienen mucho que decir», Escif sobre Hyuro.
Education. Sagunto, España, 2018.
Oostende, Bélgica, 2017.
Contradiction (Contradicción). Madrid, España, 2016.
Pantone Metallic Shimmers
200 formas de brillar con nuevos colores Metallic Shimmers de Pantone
Cada vez hay más proyectos que destacan por la luminosidad, la iridiscencia y los efectos holográficos y, como consecuencia de esta tendencia, la atracción por los acabados metálicos y perlados aumenta. De ahí a que Metallic Shimmers de Pantone sea la nueva colección de 200 tonos metálicos y perlados lustrosos creada –y pensada– para los diseñadores.
Pantone Metallic Shimmers
Según cuentan desde Pantone, los nuevos colores, que «representan una gama de tonos metálicos esenciales y de colores direccionales que reflejan las tendencias del futuro», se centran en la creciente importancia del acabado metálico en el diseño, sobre todo de moda y de productos, y que atraen fácilmente a industrias muy variadas. Metallic Shimmers se producen con una capa de pigmento que combina y resalta la verdadera esencia del color con un acabado brillante y luminoso.
Metallic Shimmers
Cada uno de los 200 nuevos colores de Pantone están disponibles en una guía de colores portátil, un especificador de colores y en forma de hojas grandes, por lo que permiten a los diseñadores y a los especialistas en color trabajar con metálicos con una colección de referencias de colores de tendencia fácil de usar, al ayudarles a visualizar y al mejorar el proceso de reproducción del color.
Nueva gama de colores Pantone
Los Metallic Shimmers de Pantone son 200 tonos de una gama completa de metálicos clásicos, coloridos e irisados, que son ideales para usarse en ropa, adornos y complementos de moda, calzado, decoración de hogares, electrónica de consumo, cosmética decorativa, automóviles y cualquier otra superficie o acabado, como admiten desde Pantone.
200 nuevos colores Pantone Metallic Shimmers
Para terminar, aquí os dejamos algunas fotografías donde podréis ver más de los nuevos colores metalizados que nos hacen llegar desde Pantone.
Tonos metalizados
Nuevos tonos dorados
Fran Rodríguez, un cántabro que triunfa como diseñador gráfico
Su ‘salto a la fama’ le llego hace un año cuando la banda Weezer eligió una de sus creaciones para su disco
Fran Rodríguez nació en 1980 y según comenta, pasó su infancia poniéndose nervioso, «sospechando de todo lo que decían los adultos y soñando con poder vivir sin tener que madrugar». A los 20 años decidió ser diseñador al enfrentarse a su «inequívoca incapacidad para ganarse la vida de alguna otra manera digna y/o legal». Desde 2002 trabaja motivado por un fin: «conseguir que las cosas bonitas, los días libres y las buenas canciones dominen el mundo». Le damos la palabra y le dejamos que sea él mismo quien nos cuente.
Fran Rodríguez, diseñador cántabro
Hoy en ‘A Vivir que son dos días Cantabria’ hablamos con Fran Rodríguez, un cántabro que ha conseguido hacerse un hueco entre los grandes del diseño gráfico de este país con la firma ‘lacabezaenlasnubes’. Una marca que no es casual porque sus principales fuentes de inspiración son las nubes, el espacio y la naturaleza; todo ello sin olvidarnos de la música, que es su verdadera pasión.
Fran Rodríguez: «En mi cabeza veo imágenes no reales pero con un acabado totalmente real, cinematográfico»
Felicitación para ¡Ah! Magazine
En realidad fue la música quien cambió su vida hace algo más de un año cuando la banda americana Weezer eligió a este torrelaveguense para ilustrar la portada de su álbum ‘Pacific Daydream’.
Portada del disco de Weezer diseñada por el cántabro Fran Rodríguez
Gracias a eso llegó su ‘salto a la fama’ y le colocó en el selecto grupo de los mejores diseñadores gráficos de España. La música sigue marcando el ritmo de su vida y también de sus creaciones porque lo que más le gusta es diseñar posters y carátulas de bandas de música.
Diseño del disco Teoría del cielo de la banda Muñeco, Fran Rodíguez
Actualmente, Fran Rodríguez vive en Barcelona, una ciudad que suele ser inspiradora para los artistas, aunque él confiesa que se fue por amor…
Calendario Pantone 2019
El calendario fetiche del diseñador: Pantone
Para empezar hay que destacar que esta es, quizá, una de las marcas que más presentes están en la vida de todo profesional del diseño. Y ya no solo debido a el empleo de su herramienta principal, la carta Pantone, sino porque sus colores y su sistema de identificación han invadido cualquier objeto cotidiano –como tazas o cojines–, convirtiéndolos prácticamente en objetos de devoción para muchos diseñadores fans del mundo Pantone.
Este es el caso del proyecto Pantone Calendar 2019.
Calendario de Pantone 2019
Después de que hace unos días la empresa especializada en el color diera a conocer el ya tradicional color del año y revelara que el Color of the Year 2019 era el Living Coral, un equipo de creativos italianos formado por Viviana Violetta Sandrini, Alexia Lullo, Massimo D’Arienzo y Francesco Pomarici se ponía manos a la obra y lanzaban su proyecto: un calendario inspirado en el pantonario y el color del año.
Calendario Pantone 2019 formato mensual
En consecuencia, en este calendario basado en la carta, cada mes tiene una gama cromática diferente y cada día cuenta con una tonalidad distinta: enero, con tonos de azules intensos; febrero, en tonos morados; marzo, tonos de azules más claros; para abril los tonos turquesas; en mayo nos encontramos tonos amarillos y verdes intensos; junio, con tonos amarillos intensos; julio, en tonos fucsia; a agosto le atribuyen tonos rosados; septiembre, tonos coral con el color del año 2019; octubre, con más tonos amarillos; noviembre, en tonos de gris y, por último, diciembre con tonos de azul eléctrico.
Calendario Pantone Septiembre 2019
Además de su formato mensual, el calendario también cuenta con uno semanal a modo de post-it y con la estética tan característica de esta carta -incluyendo el número correspondiente del color–.
Formato Post-it semanal
El resultado es un calendario que, seguramente, a más de un diseñador le gustaría tener en su estudio.
Pantone del año 2019 «Living Coral»
Feliz cumpleaños Tintín
Hoy, 10 de enero, Tintín cumple 90 años
El 10 de enero de 1929, Tintín, el joven rubio de insolente flequillo y pantalones bombachos que siempre va acompañado de su fiel perro Milú se embarcaba con destino a la Unión Soviética como reportero. Fue así como Hergé iniciaba en la revista Le Petit Vingtième la colección de cómics más famosa de la historia de la ilustración que hoy cumple 90 años.
Fuente: galerie.tintin.com
Hergé había nacido como Georges Prosper Remi en Etterbeek, Bruselas, en el círculo burgués y católico de la sociedad belga. Empezó a publicar sus primeras historietas en la revista Le Boy-Scout Belge y, a partir de 1924, a firmarlas con el seudónimo ‘Hergé’, pronunciación en francés de las iniciales de su nombre ordenadas al revés: ‘R’ y ‘G’.
La primera aventura lleva a Tíntín a la Unión Soviética con la idea de denunciar las atrocidades del régimen bolchevique. Hergé utiliza como fuente principal el libro de propaganda antisoviética Moscú sin velos (Moscou sans voiles, 1928), escrito por el cónsul de Bélgica en Rusia durante el periodo de la Revolución de Octubre, Joseph Douillet. Tintín en el país de los soviets es un éxito tal que Le XXème Siècle escenifica la llegada a Bruselas del personaje con un actor de carne y hueso.
Ese exito fue el inicio de una saga de 24 aventuras alrededor del mundo de la que ya se han vendido más de 250 millones de ejemplares y que han sido traducida a más de 50 idiomas, e incluso fue adaptada a las pantallas en dibujos animados.
La denuncia del régimen soviético efectuada por Hergé fue aclamada y motivó a su autor para lanzar a su personaje a una serie de viajes que le llevarían hasta algunos de los rincones más soñados por los amantes de la aventura: desde los pasadizos de las pirámides de Egipto a las frondosas selvas suramericanas, pasando por los fumaderos de opio en China y, ¿por qué no?, la Luna.
La leyenda estaba en marcha y Hergé puso a Tintín a viajar alrededor del mundo para, en apenas cinco años, publicar Tintín en el Congo (1931), Tintín en América (1932), Los cigarros del faraón (1934) y El loto azul (1936), …
Aunque en sus noventa años de existencia este cómic ha sido acusado de sexismo, paternalismo y antisemitismo, pocos desconocen a Tintín, Milú, el capitán Haddock, los detectives Dupont y Dupont (Hernández y Fernández), el profesor Tornasol y Bianca Castafiore, y cada año se suman a sus seguidores miles de nuevos lectores apasionados.
Después de la muerte de Hergé, en 1983, sus familiares respetaron los deseos del autor y rechazaron que otros creadores continuaran con el personaje. Aunque Tintín no continúa sus aventuras sobre papel, los directores de cine Steven Spielberg y Peter Jackson obtuvieron el permiso de la viuda de Hergé para producir una trilogía sobre el reportero.
Con motivo del aniversario, Bélgica celebra a partir de hoy jueves y hasta el domingo el 90º aniversario del lanzamiento de Tintín en el país de los soviets, el primer volumen de Tintín.
El evento también contará con diversos actos centrados en el segundo número de las aventuras del reportero, que se desarrolla en el Congo. En el fin de semana el asistente a la celebración podrá acudir a la Galería Tintín©Hergé de Bruselas donde el sábado se organizará una prueba sobre el conocimiento y las peripecias de Tintín, acompañado de la presentación de la nueva y coloreada edición de Tintín en el Congo y la presentación del último libro del experto Philippe Goddin. Y quien acuda el domingo a la localidad de Lovaina la Nueva, podrá ser testigo en el Museo Hergé de la exclusiva primera muestra de una serie de planchas originales en blanco y negro de ese segundo álbum junto a las que acaban de ser coloreadas y retocadas.
Fuente: Cuenta de Facebook de Tintin