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¿Qué se entiende por ilustrador o por diseño gráfico?

Ilustración y diseño gráfico, el tándem perfecto para imprimir carácter diferenciador

El diseño gráfico tiene muy en cuenta las tendencias de diseño, y a diferencia de la ilustración, suele estar compuesta por más elementos que una imagen, es decir, lo común es que incluya fuentes tipográficas, líneas, o figuras.

Cualquiera que tenga algo que ver con el mundo del marketing o la publicidad es conocedor del importante papel que desempeñan no solo los diseñadores gráficos sino también los ilustradores en un mundo en el que la falta de tiempo y la rapidez de comprensión de contenidos se reducen cada vez más, marcando un exigente ritmo en el que con una imagen y de un solo vistazo es necesario captar clientes.
“Las nuevas tecnologías han revolucionado muchos sectores, entre ellos el nuestro, haciendo de la impresión digital y del diseño gráfico dos aliados perfectos para ganar clientes” comentan desde Etcétera Graphics.

Pero en esto del marketing y la publicidad los diseñadores gráficos no están solos, sino que los ilustradores han encontrado en este ámbito una importante puerta abierta. Y es que, a pesar de que algunos no sean capaces de diferenciar y distinguir entre un diseñador gráfico y un ilustrador, lo cierto es son profesiones completamente distintas. Y mientras que a día de hoy la mayoría de los ilustradores han adquirido competencias en diseño, preimpresión y digitalización de imágenes; no todos los diseñadores gráficos tienen conocimientos de ilustración.

Ilustración y diseño gráfico, el tándem perfecto para imprimir carácter diferenciador

Ilustración de un velero

Pero, ¿qué se entiende por ilustración? ¿a qué se llama diseño gráfico? ¿cuál es su nexo? Los profesionales de Etcétera Graphics aclaran estos conceptos:

“La ilustración es un arte orientado en gran medida a una parte más artística y estética en la que se refleja el estilo de un autor que valiéndose de sus trazos consigue expresar sentimientos o todo aquello que se proponga a través de una imagen”.

“El diseño gráfico, por el contrario, tiene muy en cuenta las tendencias de diseño, y a diferencia de la ilustración, suele estar compuesta por más elementos que una imagen, es decir, lo común es que incluya fuentes tipográficas, líneas, figuras, etc.”

Cuando cualquiera piensa en un ilustrador a la mayoría se le viene a la cabeza un libro en el que más allá de las palabras se muestran unas imágenes, las ilustraciones, capaces de decir tanto o más que las propias palabras. Pero, afortunadamente para todos aquellos que en su día decidieron dedicar su vida a esto de la ilustración, su trabajo va más allá de la ilustración literaria, abarcando campos como el científico, el publicitario o el editorial.

No cabe duda de que teniendo a las nuevas tecnologías como aliadas, cualquier ilustrador habrá encontrado en el ámbito publicitario un gran filón que explotar, aportando un carácter diferenciador y único a cualquiera de sus trabajos.

admin

Antonio Gómez Bueno, de Palm Springs a Raos

El artista cántabro Antonio Gómez Bueno, afincado en Los Ángeles, transforma dos naves del polígono en un mural de camuflaje

Antonio Gómez Bueno posa ante la nave consignataria de barcos. /Antonio 'Sane'

Antonio Gómez Bueno posa ante la nave consignataria de barcos

Camuflaje y deslumbramiento son los dos ejes que definen la ilustración, el motivo elegido y la plasmación en un gigantesco decorado. Este verano, desde diferentes perspectivas de la entrada a Santander, es visible el mural pintado en Raos en julio por el artista cántabro Antonio Gómez Bueno. Afincado en Los Angeles desde hace ya más de tres décadas, caracterizado por su poderoso lenguaje icónico y una personal manera de apropiarse de las expresiones del arte y la comunicación, a través de muy diversos soportes urbanos, abordó este proyecto antes de su regreso a Estados Unidos, que se ha sumado a su larga y prolífica trayectoria ligada al pop art y el grafismo. No es una intervención cualquiera ni en dimensión ni en significado, incluso conlleva un homenaje implícito.

Las naves 7 y 8 de la firma ‘Cobasa’, -una de las empresas de su familia- están ubicadas en el Polígono de Raos, miden nueve metros de alto por 63 de largo. El mural, denominado ‘Razzle Dazzle Cobasa’, fue realizado en julio y contó con la ayuda de pintores de fachadas (Víctor Villasol) que prepararon la superficie y dieron el color de fondo. Gómez Bueno y su asistente, Juan Rusillo, afrontaron el dibujo del diseño durante ocho noches. No obstante la acción se prolongó más de lo planificado tanto por la lluvia como por el viento que dificultaron las labores diurnas y nocturnas en especial en los trabajos de altura sobre una pluma.

Sobre estas líneas, un plano del espacio intervenido en el polígono de Raos.

Sobre estas líneas, un plano del espacio intervenido en el polígono de Raos

El mural de ‘Cobasa’, pintado en julio, evoca el ‘razzle dazzle’, el camuflaje de barcos que se usó en la I Guerra Mundial

Gómez Bueno comenzará esta semana un mural en Palm Springs (California), mientras diseña un nuevo cartel para la gira sudamericana del grupo Metallica (el pasado año recibió numerosas críticas por plasmar un torero en el diseño del póster del concierto del grupo celebrado en Madrid). Sobre el motivo que vertebra el mural de Raos, explica que tiene su origen en la idea de vincular a Cobasa, una consignataria de barcos, con el bagaje histórico más creativo de la marina mercante en la I Guerra Mundial, cuando los mandos del Almirantazgo británico decidieron recurrir a las vanguardias artísticas para tratar de atenuar el porcentaje de éxito de los submarinos nazis en la destrucción de barcos.

Cartel concierto de Metallica en España

Atribuido al artista británico Norman Wilkinson, a quien el cántabro rinde homenaje, con clara influencia cubista, el trabajo responde a la estética conocida por el nombre de ‘razzle dazzle'(«camuflaje deslumbrante»). Un estilo de camuflaje de barcos que se usó ampliamente en la Primera Gran Guerra y, en menor medida, en la Segunda . Consistía en «complejas composiciones de formas geométricas en colores contrastantes, que se interrumpen y se cruzan entre sí. La intención era deslumbrar, no ocultar, para así dificultar la estimación del alcance, la velocidad y el rumbo del barco para que el enemigo asumiese una posición de disparo deficiente».

Desde su llegada a Estados Unidos, Gómez Bueno continúa en contacto, tanto en LA como en Nueva York, con gente a la que conoció en sus inicios. Con una proyección siempre creciente, ha pasado a exponer en Bélgica, Francia, Italia, Alemania, Inglaterra, Portugal, México, Brasil, o China, hasta superar ya medio centenar de muestras individuales. Ahora trabaja en diseños para grupos y músicos como Mike Watt y prepara material para la serie ‘Descubrimientos Botánicos’con destino a la feria de Miami Basel en diciembre, a la que acude con la galería Jack Shainman. Ya en la primavera de 2020, el artista celebrará una exposición en Tokio.

Gómez Bueno (Torrelavega, 1964) recibe con profusión encargos tanto de diseños comerciales, logos, camisetas, carteles, skates, snowboards… que alterna con las exposiciones. Este año protagonizó una de las exposiciones más importantes en su trayectoria, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles -Lacma, el mayor en el oeste de los EEUU con más de un millón de visitas anuales. Su objetivo para el mural de Cobasa ha sido el de hacer un guiño estético en dos planos, artístico y portuario. Otro paso en el punto de mira de su creatividad bajo un lema permanente: «Hay que cambiar y arriesgar».

admin

Máquina de impresión Miyakoshi

Miyakoshi, presente en Labelexpo 2019

Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Van Gogh y, probablemente, muchos otros grandes genios, de diferentes disciplinas, coincidían en la idea de que la perfección no es un detalle pero que en los detalles está la perfección.

Máquina Miyakoshi

“Las grandes cosas están hechas de la suma de muchas pequeñas juntas. Actuar no significa, necesariamente, hacer grandes cosas; también puede ser estar haciendo muchas pequeñas que conducirán a una superior”, afirmó Vincent Van Gogh.

Y eso es, precisamente, lo que Miyakoshi ha estado haciendo, estos dos últimos años, desde la pasada edición de Labelexpo: trabajar en muchos pequeños, y bien hechos, detalles para conseguir que la icónica semirrotativa offset UV Miyakoshi MLP sea, aún, más “grande”.

Según fuentes de OMC sae, distribuidor de Miyakoshi en España, “podríamos, ahora, enumerar todos estos detalles… pero no lo vamos a hacer. Serían ‘sólo’ palabras. Preferimos los veáis y conozcáis vosotros mismos personalmente, uno a uno. Los pequeños detalles marcan diferencias y bien merece la pena ser ‘vistos’ y entender así el valor que otorgan, especialmente, en tiradas medias y cortas de etiquetas autoadhesivas de alta calidad”.

Impresión en máquina Miyakoshi

Miyakoshi expondrá la evolución de su icónica MLP, equipando rodillos de enfriamiento en los secadores UV. Su máquina offset semi-rotativa UV trabaja a más de 100m/min con una longitud de repetición de 406,4mm. Gracias a su gran flexibilidad y versatilidad, se dirige a producciones o tiradas de 500-30,000m de etiquetas de alta calidad o de alto valor añadido que requieren diferentes procesos y/o acabados en línea. Está disponible en anchos de banda de 350 mm y 420 mm. El arranque en frío y el cambio automático de plancha se han introducido también en dicha evolución con el fin de ahorrar merma de papel y de mejorar para mejorar los tiempos de cambio.

Detalle de los rodillos

Además, como colofón, Miyakoshi presentará su nueva prensa digital inkjet UV, en bobina, MJP13LXV; con una velocidad de impresión de 50m/m, con una resolución de 1200X1200 DPI, siendo posible configurar hasta 6 colores. La máquina funciona con tintas LED-UV y viene equipada con un sistema de secado entre colores y un curado final LED con un sistema de purga de nitrógeno que reduce el olor y mejora el proceso de secado. Además, los sustratos finalmente se pasan a través de un rodillo de enfriamiento para un excelente acabado y fijación del color.

“La perfección es un camino infinito del que nunca vemos el final. El mero hecho de buscarla, nos permite ser mejores. Mejora implica evolución y, en LabelexpoEurope 2019 (Hall 8 B31), os mostraremos la nuestra”.

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Certamen «Tipos» en Santander

‘Tipos’ traerá a Santander a los referentes del diseño gráfico

La IV edición contará a partir del 26 de octubre con más bloques de actividades, pero uno de los principales son las charlas en las que intervendrán los diseñadores gráficos más importantes del panorama nacional e internacional.

Algunos de los diseñadores gráficos más importantes de la escena nacional e internacional intervendrán en la jornada de charlas que, por segundo año consecutivo, organizan ‘Tipos’ y el Centro Botín de manera conjunta. Esta iniciativa tendrá lugar el próximo 26 de octubre en el marco de la cuarta edición de ‘Tipos’, un certamen que organiza IT Consultoría y que cuenta con el apoyo de la Fundación Santander Creativa.

Aunque el grueso de la programación de ‘Tipos’ se dará a conocer más adelante, los organizadores de la propuesta ya han anunciado uno de los bloques esenciales de esta edición. Se trata del programa de conferencias que coorganizan junto al Centro Botín y que traerá a la ciudad a algunos de los referentes del sector tanto en la escena nacional como internacional.

En concreto, ha invitado a Jonathan Barnbrook, uno de los diseñadores gráficos más importantes e influyentes de Gran Bretaña; Javier Mariscal, un referente del diseño en España; Laura Meseguer y Enric Jardí, especializados en diseño editorial; Susana Blasco, ilustradora y experta en el arte del collage; y Nacho Padilla, exdirector creativo del Ayuntamiento de Madrid y destacado publicista.

JONATHAN BARNBROOK, DISEÑO CON CONCIENCIA SOCIAL

Barnbrook es uno de los diseñadores gráficos más importantes de Gran Bretaña y uno de los más respetados del mundo. Desde 1990, decidió trabajar con instituciones culturales, grupos de activistas y organizaciones benéficas, además de realizar un flujo constante de carteles personales.

También es conocido por sus colaboraciones con Adbusters, un colectivo artístico comprometido con los desórdenes de las empresas de la sociedad actual; y ha trabajado para el coleccionista de arte Damien Hirst y el músico y compositor británico David Bowie.

Asimismo, es uno de los pioneros en la noción de diseño gráfico con conciencia social. Por eso, es habitual que opine sobre cuestiones vinculadas a la cultura corporativa, el consumismo, las guerras o la política internacional.

El diseñador gráfico británico Barnbrook

JAVIER MARISCAL, AMOR INCONDICIONAL AL DIBUJO

Diseñador valenciano y barcelonés de adopción, la vida de Mariscal es una historia de amor con el dibujo. Nació en una gran familia en los días más oscuros de la era de la posguerra española.

El Mediterráneo, la albufera, la luz, las amistades, los bares, las calles y la alegría de vivir de manera irrevocable han marcado su trayectoria profesional y personal. Desde muy joven, ya miraba el mundo imaginando nuevas formas, historias y personajes mientras escapaba de todos los estereotipos y etiquetas.

El diseño de la mascota para los Juegos Olímpicos de 1992 en Barcelona, Cobi, fue el punto de partida del Estudio Mariscal, ubicado en una antigua fábrica de cuero.

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Javier Mariscal

El DISEÑO TIPOGRÁFICO DE LAURA MESEGUER

Diseñadora y docente especializada en el diseño editorial y en el diseño de tipografías a medida, desde un monograma hasta un alfabeto completo. Estudió en Llotja, la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y se inició en la profesión trabajando en diversas agencias de publicidad y estudios.

Desde 1992 es miembro del colectivo tipográfico Type-Ø-Tones, desde donde distribuye y promociona sus propias tipografías. En los años 2003 y 2004 fue alumna de Type & Media y obtuvo un Máster en la especialidad de Diseño de Tipografías en la escuela KABK de La Haya.

Es la autora de ‘TypoMag. Tipografía en las revistas’ y junto a Cristóbal Henestrosa y José Scaglione, autora del libro ‘Cómo crear tipografías. Del boceto a la pantalla’.

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La diseñadora de tipografías Laura Meseguer

LAS ILUSTRACIONES DE ENRIC JARDÍ

Su trabajo se centra en el diseño editorial, la dirección de arte, la realización de cubiertas para libros, la identidad corporativa y la ilustración.

Entre sus clientes hay varias organizaciones y empresas nacionales e internacionales como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), el Ayuntamiento de Barcelona, la Fundación Catalunya Caixa, La Vanguardia, El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), Penguin Random House, The Boston Phoenix, la Sala Beckett, The Chicago Reader, The New York Times o el Museo Picasso, entre otras.

En octubre de 2009 recibió el Premio Nacional de Cultura en el apartado de diseño otorgado por la Generalitat de Cataluña. Ha recibido varios premios, entre los que destacan los European Design Awards, Laus, D&AD Awards y el Malofiej de infografía.

Enric Jardi en su estudio

SUSANA BLASCO Y EL COLLAGE

Diseñadora gráfica, ilustradora y experta en el arte del collage. Todo su trabajo, tanto gráfico como artístico, destila una fuerte carga simbólica cuyo eje central es el concepto. Cada uno de sus trabajos es una excusa para experimentar, mezclar, agitar y recrearse en el juego, el humor y las dobles lecturas.

Está especialmente interesada en la exploración de la memoria, el tiempo, el pasado, los recuerdos, el olvido y la mujer, utilizando muy frecuentemente como material de partida fotografías antiguas que rescata de mercadillos, pequeños objetos encontrados y naturaleza muerta.

En 2017 recibió el Premio Gràffica por sus aportaciones a la técnica del collage. En la actualidad sigue compaginando su trabajo como diseñadora e ilustradora con su faceta artística que sigue evolucionando.

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Susana Blasco, la artista del collage

DIRECCIÓN CREATIVA DE NACHO PADILLA

Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), ha trabajado como redactor en Contrapunto BBDO o en McCann Erickson.

Durante estos veinte años ha trabajado en la dirección creativa para Renfe, El País, Daimler, Tesoro Público, Digital +, El Corte Inglés, Telefónica, Jazztel, WWF, Google, Nobel, Groupama, OXFAM, el Ministerio de Cultura, el Ministerio de Trabajo, el Ministerio de Medio Ambiente, la Agencia Tributaria, Coca Cola, Páginas Amarillas, Opel o Banco Central.

El editor y diseñador Nacho Padilla

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Torneo de Golf en Cantabria

Cantabria organiza un torneo de golf en memoria de Celia Barquín Arozamena

El club de Golf Santa Marina, en San Vicente de la Barquera, acogerá el próximo jueves 15 de agosto la primera edición del Torneo CBA (Celia Barquín Arozamena) en homenaje a la joven golfista cántabra asesinada mientras se entrenaba en su universidad de Estados Unidos.

Homenaje a la joven golfista cántabra asesinada

Torneo de Golf en memoria de Celia Barquín Arozamena

Además de contar con el apoyo y la presencia de la familia de Celia, la recaudación íntegra de esta prueba de carácter benéfico se destinará a la escuela infantil de Golf Santa Marina, que pasará a denominarse Escuela Celia Barquín.

El torneo, que se desarrollará en el complejo campo diseñado por Severiano Ballesteros, se jugará en modalidad individual Stableford con hándicap limitado a 30 y habrá dos categorías (primera, indistinta, hasta hándicap 15, y segunda, de 15,1 a 30).

Además de los premios a los tres mejores clasificados de cada categoría y a los ganadores scratch (masculino y femenino), también habrá trofeos al mejor júnior y al mejor sénior, y premios especiales a la bola más cercana en todos los pares 3 y al drive más largo (masculino y femenino).

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Certamen «Tipos» 2019

El certamen de diseño gráfico Tipos abre una convocatoria para apoyar a asociaciones y ONG

Por primera vez, el certamen ayudará a estos colectivos en el desarrollo creativo profesional de su imagen y en campañas.

La cuarta edición del certamen Tipos, una iniciativa organizada por IT Consultoría y patrocinada por la Fundación Santander Creativa (FSC), el Gobierno de Cantabria y el Grupo Adarsa-Mercedes, ofrecerá este año a las asociaciones sin ánimo de lucro y las ONG, la posibilidad de contar con la colaboración y el trabajo de diseñadores gráficos profesionales para la difusión de sus actividades.

Tipos busca así apoyar a entidades que, en muchas ocasiones, no cuentan con profesionales de este sector debido a la falta de recursos. La idea será que gracias a este certamen puedan mejorar el desarrollo creativo y visual de los elementos de comunicación gráfica para la promoción de sus actividades y campañas.

«Buscamos que nuestro proyecto incida en la sociedad y ese el objetivo de esta iniciativa», señala Javier Gandarillas, uno de los responsables de Tipos.

Para participar, las ONG y asociaciones interesadas tendrán que cumplimentar la solicitud publicada en http://certamentipos.es/convocatoria/ en la que explicarán qué actividad desarrollan y qué necesidades tiene, ha informado la FSC en nota de prensa.

Después deberán enviarlo a info@certametipos.es antes del próximo 1 de septiembre. En el formulario hay que facilitar nombre de la ONG o asociación, número de personas que la integran o colaboran, si la entidad cuenta con algún tipo de patrocinio, descripción del ámbito de actuación, definición de los objetivos, necesidades de comunicación gráfica y razones por las que participar en esta convocatoria. Entre todos los proyectos recibidos, se seleccionarán cuatro.Este certamen nació hace ya cuatro años para fomentar la cultura del diseño gráfico en todos los ámbitos de la sociedad. Fue premiado en las ayudas Cultura Emprende 2016 de la FSC y desde entonces se ha integrado en la programación estable de la fundación.

También cuenta con el patrocinio del Gobierno de Cantabria, el apoyo del Centro Botín, que coorganiza una jornada de charlas y la Autoridad Portuaria, que colabora mediante el montaje expositivo de la muestra que acogerá, como todos los años, el Palacete del Embarcadero.

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Fotografías de los océanos

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Naufragio, isla de Elba, Italia.

Después de más de una década buceando, Tobias Friedrich aún experimenta un sentimiento abrumador cada vez que tiene la oportunidad de sumergirse en las profundidades marinas. La elegancia y la calma del mundo bajo el agua en contraste con la atmósfera agitada de arriba le permiten descubrir una sensación de paz inmensa y de amor por la naturaleza.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Ballena jorobada, Megaptera novaeangliae, nadando cerca de la superficie en medio de un disparo medio y mitad entre el agua con montañas marrones del desierto al fondo en Al Sawda, Al-Hallaniyah, Khuriya Muriya Islands, Omán, Océano Índico.

«Desde su nacimiento, el hombre lleva el peso de la gravedad sobre sus hombros. Está atornillado a la Tierra. Pero el hombre solo tiene que hundirse bajo la superficie y es libre».

Jacques-Yves Cousteau (1910-1997)

Estas hermosas palabras del investigador marino Jacques Cousteau han sido la inspiración del fotógrafo submarino Tobias Friedrich. En su infancia, a Tobias le encantaba ver las aventuras del Calypso y cómo su capitán narraba la belleza del mundo que se encuentra debajo de la superficie de los océanos.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Fotografía a medio disparo desde el interior de una cueva hacia el exterior. Justo debajo de la superficie hay una roca, que crece con una gran cantidad de corales de copa anaranjados, tubastrea aurea. Entre Nerja y Almuñécar dentro del Parque Nacional Acantilados de Maro-Cerro Gordo, Costa del Sol, Andalucía, Granada, Málaga, España, Mar Mediterráneo.

Los disparos de Tobias Friedrich no son collages, aunque en ocasiones puedan parecerlo. Su especialidad son los disparos partidos, donde se puede observar una mitad por encima de la superficie del agua y la otra mitad por debajo. Para obtener una buena separación, necesita se vale de un dome port ubicado frente a la carcasa submarina.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Arrecife de coral duro con puesta del sol detrás de él, Gordon Reef, estrecho de Tiran, Mar Rojo septentrional, Egipto, África septentrional.

Tobias Friedrich comenzó a tomar fotos con una cámara réflex digital bajo el agua en el año 2007. Desde entonces, sus imágenes se han publicado en prestigiosas revistas y periódicos de buceo en todo el mundo. Varias competiciones fotográficas submarinas han reconocido su trabajo y actualmente su palmarés acumula más de 50 premios de las competiciones de fotografía submarina más prestigiosas.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Tiro dividido de los manglares y el paisaje de árboles sobre el agua, isla Kawe, cerca del sitio de buceo The Channel, Raja Ampat, Papua Occidental, Indonesia, Océano Pacífico.

Este pasado año, fue nombrado Fotógrafo subacuático del año 2018 en el prestigioso concurso UPY London. Para Tobias todas las aguas son atractivas, independientemente de si están a cero o a 30 °C, o al menos siempre hay algo que fotografiar.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Tiro a la mitad de un iceberg debajo del agua con un buzo que sostiene una lámpara, cerca de Kulusuk y Tasiilaq, Groenlandia Oriental, Océano Atlántico, Ártico.

Para realizar sus fotografías usa una carcasa Seacam para su Canon EOS 5D Mark II DSLR. Habitualmente dirige expediciones y talleres alrededor del mundo, abiertos a todos los interesados.

Tobias Friedrich, fotógrafo de los océanos

Islas de los Hermanos, isla Gran Hermano, Egipto, Mar Rojo.

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Música como medicina

La música como medicina para la salud mental de los creativos

La reciente investigación llevada a cabo por The Ulster University, ha demostrado que los problemas de salud mental son más frecuentes para los que trabajan en el sector creativo. Esto se debe a la falta de estabilidad profesional, a la baja autoestima, los bajos salarios, etc. Aifric Lennon, investigadora en el campo de la salud mental y la música, participa en el estudio global de producción y branding musical MassiveMusic. Lennon explica cómo la música puede ayudar a la gente creativa a aprender a manejar sus emociones y a ser más consciente día tras día. 

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Ilustraciones: Eri Griffin

Desde diseñadores e ilustradores hasta músicos y escritores, parece que todos ellos comparten la probabilidad de sufrir algún malestar mental. Según explica el estudio, los problemas de salud mental se han visto más frecuentemente en aquellas personas que trabajan en industrias creativas por varias razones: los horarios inestables; la falta de seguridad laboral; el salario bajo o irregular; y la falta de autoestima debido a juicios y críticas constantes. Hay un sentimiento general de que la sociedad subestima las industrias creativas.

Una conclusión a la que llega la asociación Help Musicians UK es que, a pesar de que una carrera creativa puede dar lugar a problemas psicológicos y emocionales, la creación en sí consigue un estado de flujo continuo que contribuye a mantener una mente sana. Una de las soluciones accesibles, universales y creativas es la música.

Así, la música es una medicina, una cura real, y hay que usarla de un modo más consciente. ¿Cómo? Presentamos distintas maneras sencillas de cómo usar la música para mantener la salud mental en orden, según Aifric Lennon.

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Ilustraciones: Eri Griffin

Escuchar música desde primera hora de la mañana

Al despertarse por la mañana, nuestros cuerpos están programados para entrar inmediatamente en modo alerta, por lo que el sonido de despertador puede provocar un inicio de día desagradable e irritante. Al igual que necesitamos una cierta cantidad de adrenalina para reactivar nuestro sistema, también necesitamos equilibrarla con estímulos que nos relajen. Escuchar música, además de hacernos más felices, nos ayudará a sentirnos más relajados, logrando un comienzo de día muy positivo en lugar de permitir que nuestra alarma interna condicione nuestro estado de ánimo desde muy temprano por la mañana.

Elegir música que coincida con estado de ánimo

No hay que tener miedo a escuchar música triste si uno se siente melancólico. La investigación de The Ulster University ha demostrado que el escuchar música triste puede estimular emociones positivas, porque crea una sensación de sentimiento compartido, similar a la presencia de un amigo cercano o un ser querido. La investigación, llevada a cabo por Chan Jean Lee en 2013, demuestra que preferimos experimentar el estado de ánimo triste de una manera estética, específicamente cuando se trata de música.

La música repetitiva ayuda a concentrarse

Escuchar música repetitiva y percutiente ayuda a concentrarse mejor, especialmente cuando estamos distraídos por pensamientos, ruido u otros factores. Nuestras mentes se sincronizan con el ritmo repetitivo de la música y esto aumenta el nivel de concentración. De ahí que la música percutiente y sin letra sea la mejor manera de centrarse y reenfocar nuestra atención.

La música calma el estrés

No sería mentir si decimos que vivimos en un mundo donde el estrés diario es común y forma parte de nuestras vidas. En lugar de invertir en masajes o clases de yoga, ¿por qué no escuchar música suave de un tempo andante, moderado? Las pulsaciones óptimas por minuto en reposo son 60. Cuando escuchamos música lenta y tranquila, el latido del corazón se sincroniza con el tempo de lo que oímos. Como consecuencia, se consigue un ritmo cardíaco más lento, una bajada de tensión arterial y una respiración más profunda.

La conclusión es que, al mismo tiempo que la creatividad puede jugar un papel importante en el desarrollo de problemas de salud mental, también es un antídoto, especialmente cuando se aplica de una manera adecuada. Para aquellos quienes quieran incorporar la música en su proceso de trabajo, proponemos que le echen un vistazo a Música para Diseñar.

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El logotipo de los Rolling Stones

¿Cuál es la historia que hay detrás del logo de los Rolling Stones?

Es una imagen icónica que todo el mundo conoce. Es el mejor símbolo para una de las mejores bandas de rock del mundo… ¿pero qué significa realmente?

¿Cuál es la historia que hay detrás del logo de los Rolling Stones?

The Rolling Stones con su logotipo

El logo de Rolling Stones como marca corporativa de una banda de rock es inmejorable. Durante más de 45 años, la boca y la lengua abiertas han dado la vuelta al mundo y es una de las imágenes más reconocibles por cualquiera. Se ha hecho merchandising de todo tipo estampando este logo en ropa, complementos y todo tipo de objetos.

La imagen de la lengua y labios, siempre se ha dicho, está basado en la cara inconfundible del líder de los Stones, Mick Jagger. Pero eso no es así exactamente. En abril de 1970, John Pasche era un estudiante de arte de 25 años cuando recibió una llamada en busca de un artista para trabajar en un póster para una próxima gira de Rolling Stones. Jagger había visto los diseños de Pasche en su carrera final ese año, y se puso en contacto con él. Satisfecho con su trabajo, Jagger encargó a Pasche que idease un logotipo para la nueva compañía Rolling Stones Records, que se estaba preparando para lanzar el material de la banda. Originalmente, el encargo era para «un logotipo o símbolo que se pueda utilizar en papel de carta y como una tapa para el libro de prensa».

Escenario con el famoso logotipo

La inspiración de Mick Jagger fue un corte de periódico que había visto que mostraba a la diosa hindú Kali, con una lengua puntiaguda. En la mitología hindú, Kali simboliza la muerte y el tiempo, pero también es una poderosa figura femenina.

Inspiración para el logotipo

Pasche lo ha comentado en alguna ocasión: «Mucha gente me pregunta si me basé en los labios de Mick Jagger., y debo decir que inicialmente no. Pero podría haber sido algo que estaba en mi inconsciente y que también encajaba en la idea básica del diseño. Fue una serie de cosas».

El artista tardó aproximadamente dos semanas en terminar el logotipo, trabajando todas las noches, y por él recibió 50 libras. Apareció por primera vez en el álbum Sticky Fingers en abril de 1971, y se ha utilizado desde entonces. Tiene Pasche además la clave por la cual el diseño ha resistido la prueba del tiempo: «es una declaración universal, a sacar la lengua a la autoridad, una símbolo de protesta que han utilizado varias». Y añade: «Cuando salgo de vacaciones, siempre es una sorpresa cuando alguien a la vuelta de la esquina lo lleva en una camiseta«.

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Fido Dido, la imagen de 7Up

¿Quién creó a Fido Dido?

Seguro que muchos recuerdan a Fido Dido, el personaje de bebida refrescante más carismático y desenfadado de la publicidad de los años 90. Llegó a ser tan popular que inundaba con su imagen camisetas, gorras, tazas, llaveros, libretas, carpetas, pegatinas, chapas, pines,… incluso llegó a protagonizar un videojuego y a tener su propia línea de fijadores para el pelo, agua de colonia, snacks y gominolas. Pero, ¿de dónde salió?

Fido Dido

Fido Dido, personaje creado para 7Up

Fido Dido surgió en pleno Nueva York de mediados de los ochenta donde el ambiente estaba impregnado de esencias artísticas como las de Keith Haring, Basquiat o Warhol. Nació fruto de la unión de la habilidad en el dibujo de Sue Rose y del ingenio de Joanna Ferrone. Una servilleta de una cafetería neoyorkina fue el lienzo perfecto para un personaje que nada más ser creado ya exudaba carisma, confianza en si mismo, sabiduría interior y un espíritu libre. Seguramente sus creadoras no esperaban que aquel día en el que fueron a tomar algo después del trabajo, fuera el día en que nacería uno de los iconos de la cultura pop. Rose le dio su aspecto –inspirado en su amigo, quien trabajaba tras la barra de aquella cafetería- y Ferrone su nombre y su personalidad.

No fue hasta finales de los 80, principios de los 90 cuando Fido Dido con su pelo de pincho, su ropa ancha y sus zapatillas, pasó a formar parte de la plantilla de la compañía PepsiCo. Ésta decidió retirar a su antigua mascota de la bebida 7Up llamada Spot –quien ya había reemplazado a la anterior, Fresh-Up Freddie, creada por Disney- para sustituirla por este nuevo personaje tan fresco.

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Fresh-Up Freddie (izquierda) y Spot (derecha)

7Up necesitaba renovar sus aires, adaptarse a la nueva corriente seguida por los más jóvenes y vieron en Fido Dido el perfil que resumía todos los valores que estaban buscando. De hecho, Joanna Ferrone creó también un credo que define el estilo tan peculiar de Fido Dido; un estilo de vida que éste siguió a pie juntillas. Su ‘Fidosophy’:

“Fido is for Fido. Fido is against no one. Fido is youth. Fido has no age.Fido sees everything. Fido judges nothing. Fido is innocent. Fido is powerful. Fido comes from the past, Fido is the future”.

Credo-fido-dido

Fidosophy

La época dorada de Fido Dido fueron los años 90 en los que se dio a conocer en los spots de la marca presentándose como un personaje desenfadado, despreocupado, ‘pasota’ y feliz, con la única preocupación de no quedarse sin su bebida favorita. El personaje y su filosofía tuvieron tanto éxito que, ya no solo el merchandising tenía una gran aceptación, sino que llegaron a venderse infinidad de productos que se comercializaron más tarde con su imagen.

Comic Fido Dido

Tira cómica de Fido Dido

El éxito de Fido Dido le pasó factura a la marca. Fido Dido produjo el llamado “efecto vampiro” o “efecto distracción”; la popularidad del personaje tuvo más notoriedad que la propia marca, con lo que el público prestaba más atención a la personalidad arrolladora de Fido que al propio producto que anunciaba.

A finales de los 90 PepesiCo dejó de emplear a Fido Dido como embajador de 7Up. Pero en 2004 reapareció en su versión tridimensional, conservando su aspecto bicolor, para anunciar 7Up Ice en spots como Uphill, Mirror y Beach.

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Nueva versión de Fido Dido

Ahora en 2015, tras 30 años, ha vuelto a aparecer retomando su aspecto de los 90 para la creación de una serie limitada vintage que aboga por la nostalgia y homenajea a Fido Dido y a todo lo que representó en su momento.

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Lata de 7Up

Fido Dido

Fido Dido

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