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Subvenciones INNOVA PLUS 2019

Desde Formas y Servicios del Norte, S.L. les informamos de la línea de subvenciones INNOVA PLUS para el año 2019 de la Consejería de Innovación, Industria, Turismo y Comercio. Queriendo destacar la relativa a “Diseño, maquetación e impresión de folletos, catálogos, etc.”

Beneficiarios:

Empresas que desarrollen en Cantabria alguna de las siguientes actividades relacionadas en el artículo 2 de la Orden INN/23/2018, de 25 de abril, por la que se establecen las bases reguladoras de la línea de subvenciones INNOVA PLUS.

Actuaciones subvencionables:

Actuaciones de introducción en el mercado de nuevos productos o servicios innovadores, definidos según lo establecido en la Orden INN/25/2019, de 16 De Abril, por la que se convoca para el año 2019 la línea de subvenciones INNOVA PLUS.

Gastos subvencionables:

– Asistencia a congresos o ferias.
– Asistencia técnica, consultoría y equivalentes para el diseño, desarrollo implementación preparación de contenidos y dinamización de actuaciones.
– Contratación de estudios de mercado.
– Obtención, validación y defensa de patentes y otros activos inmateriales.
– Diseño, maquetación e impresión de folletos, catálogos, etc.
– Gastos derivados del informe de auditor de cuentas.

Intensidad: 50% de los gastos presentados, con un máximo de 50.000 euros por empresa.

Convocatoria: Orden INN/25/2019, de 16 de abril, por la que se convoca para el año 2019 la línea de subvenciones INNOVA PLUS.

Bases reguladoras: Orden INN/23/2018, de 25 de abril, por la que se establecen las bases reguladoras de la línea de subvenciones INNOVA PLUS.

Plazo de presentación de solicitudes: del 17 de abril al 16 de mayo de 2019.

Más Información sobre la ayuda:
Dirección General de Innovación, Desarrollo Tecnológico y Emprendimiento Industrial
Consejería de Innovación, Industria, Turismo y Comercio
C/Albert Einstein, 2 – 39011 Santander
Teléfono: 942 20 22 74 / 942 20 22 51

admin

Valencia, Capital Mundial del Diseño 2022

La ciudad de València ya es candidata oficial a Capital Mundial del Diseño 2022

La ciudad de València ya es oficialmente una las ciudades candidatas que optan a ser Capital Mundial del Diseño para el año 2022. La Associació Valencia Capital del Disseny ya ha presentado ante la World Design Organization, con sede en Quebec (Canadá), la memoria de méritos exigida para ser candidata.

Valencia, Capital Mundial del Diseño 2022

Valencia, Capital Mundial del Diseño 2022

Los integrantes de la Associació Valencia Capital del Disseny han desarrollado un riguroso trabajo de investigación, liderado por sus dos directores estratégicos Xavi Calvo y Pau Rausell, que se ha traducido en un documento de uso interno y de más de 500 páginas, que refleja el pasado y el presente del diseño, así como nuevas propuestas vinculadas a la ciudad de València y también de la Comunitat Valenciana. Un documento que recoge, a su vez, la propuesta del programa anual de eventos que acogerá la ciudad en caso de que València sea seleccionada. 

Junto con la memoria, la candidatura ha presentado también la que será su imagen gráfica, diseñada por Ibán Ramón, reconocido diseñador gráfico valenciano y con una amplia y premiada trayectoria detrás. 

«La imagen de la capitalidad se anticipa a usos futuros. Se han interpretado las letras VWDC a partir de formas geométricas simples, sobre una retícula de módulo cuadrado que permite infinidad de composiciones. De hecho, el carácter abstracto de la identidad, al no leerse como ilustración o texto, facilita que en el futuro pueda convivir con una gran variedad de imágenes y títulos. Además, su color evoca el Mediterráneo: la arena, el mar, el sol. Las tipografías empleadas en el dossier se muestran suficientemente formales sin renunciar a contemporaneidad y frescura», comenta Ibán Ramón.

«El diseño modular de la identidad abre paso a una infinidad de composiciones, permitiendo un amplio desarrollo; sin una significación concreta, pero reconocible», añade el diseñador.

Valencia entre las elegidas para ser Capital Mundial del Diseño 2022

La candidatura se articula alrededor del lema «El diseño mediterráneo de Valencia. Diseño para el cambio, diseño para los sentidos», apelando a una «manera de mirar» (un filtro) con ciertas implicaciones geográficas, pero también estéticas, éticas, filosóficas y políticas.

«Pretendemos subrayar lo luminoso de nuestro mundo, lo temperado y equilibrado, la trabajada y equívoca simplicidad de aquello que se asienta, se sintetiza y cataliza por el paso del tiempo, la tradición, la cooperación de muchos y la selección natural del trabajo bien hecho. Pero, al mismo tiempo, el diseño mediterráneo permite la lectura, el uso y el deleite contemporáneo, reclama su capacidad de transgresión y sirve para la proyección hacia el futuro. Diseño por tanto para los sentidos, pero también para el cambio», explica Pau Rausell, codirector estratégico del proyecto.

Programa para la candidatura

La candidatura de València cuenta con numerosos apoyos institucionales, de organizaciones y organismos públicos y privados valencianos, nacionales e internacionales. Ha recibido también el apoyo de tres Ministerios del Gobierno y el de la Presidencia de la Generalitat Valenciana. Un respaldo que supone un apoyo sin precedentes al diseño valenciano, que confirma la solidez de su pasado, la pujanza de su presente y los excelentes y prometedores proyectos para la profesión y para los profesionales del diseño en la Comunitat Valenciana.

Además de las instituciones, las empresas promotoras de esta iniciativa mantienen su apuesta por el diseño, impulsando una iniciativa que aspira a mejorar la calidad de vida de los valencianos.

«Gracias al apoyo económico de Actiu, Andreu World, Capdell, Equipo DRT, GandiaBlasco, AIDIMME, Istobal, La Imprenta, Vondom, Point, Suavinex, Grupo Torrecid, Trèbol y Cervezas Turia hemos podido desarrollar esta memoria que, además de abordar el diseño desde un punto de vista temporal, refleja las opciones culturales, turísticas y sociales de la Comunitat Valenciana, mostrando un territorio rico en propuestas, espacios expositivos e iniciativas que promueven la creatividad y el diseño de norte a sur», explica Xavi Calvo.

«Hemos querido mostrar los inicios del diseño desde el punto de vista educativo y también organizativo, destacando el impulso creativo e institucional que a partir de los años 80 fomentó el talento y las carreras profesionales de los diseñadores y reforzó la vinculación diseño-empresa, que tan rentable sabemos en la actualidad que resulta para las empresas», señala Pau Rausell.

El documento de la memoria refleja el presente de las industrias del diseño y de los profesionales del diseño valenciano que destacan a nivel nacional como internacional y en las diferentes disciplinas del diseño: diseño gráfico y comunicación, industrial, de producto, de interiores, de experiencias-eventos, joyería, arquitectura, diseño de moda, arquitectura paisajística, urbanismo, diseño sostenible, educación de diseño, diseño de servicios, etc.

La memoria también recoge las infraestructuras culturales vinculadas al diseño que existen, así como toda la oferta de eventos, jornadas y semanas culturales de València y de la Comunitat Valenciana.

El documento desarrolla aspectos como las condiciones de logística, seguridad y salud pública con las que cuenta la ciudad para acoger un evento de estas dimensiones y proyección internacional. 

En esta memoria la ciudad de València, sus barrios y sus calles además de otros municipios y enclaves de la Comunitat muestran sus fortalezas en su apuesta por el diseño. Un material exhaustivo que transmite por qué actualmente València y la Comunitat Valenciana son referentes internacionales de diseño. 

La candidatura València Capital Mundial del Diseño 2022 está promovida por la Associació València Capital Mundial del Disseny, una asociación privada, y que cuenta con el impulso del Ajuntament de València, de la Generalitat Valenciana, de Feria Valencia y de La Marina de València y con el apoyo de la Asociación de Diseñadores de la Comunitat Valenciana y el Colegio de Diseñadores de Interior de la Comunitat Valenciana. 

Integran el comité ejecutivo Marisa Gallén, Luis Calabuig, María Navarro, Amparo Balbastre, Rafa Armero, Kike Correcher, Jorge Fombellida, Vicente Gallega, Vicent Martínez, Vicente Pons, Soledat Berbegal, Amparo Bertomeu, Clara del Portillo, Xavi Calvo y Pau Rosell.

Plazos del proyecto
Junio 2019: Evaluación de candidaturas y anuncio de ciudades finalistas.
Julio 2019: Visitas a ciudades por representantes de la WDO. 
Septiembre 2019: Evaluación final del comité de Selección WDC. 
Octubre 2019: Anuncio de ciudad escogida como WDC 2022. 
2020-2021: Planificación del programa y asistencia a WDC 2020. 
2022: Cumplimiento del programa anual de eventos.

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La creatividad dentro del mundo del papel

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

En el mundo del papel la creatividad no tiene límites. Eso mismo es lo que comprobamos al abrir la Yellow Box de Guarro Casas. A modo de cajita casi mágica, este book nos va desvelando, una a una, más de 600 referencias de papel; muchas de ellas provocando en nuestra cara un gesto de sorpresa tras comprobar un sinfín de papeles que harían las delicias de los diseñadores más exquisitos.

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

Yellow box

Las posibilidades que los papeles especiales Guarro Casas ofrecen son muchas, ya sea para proyectos editoriales, de packaging o materiales de impresión y comunicación.

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

Papeles que imitan la naturaleza: madera, corcho, fibras de cabello; con reflejos dorados, perlados, nacarados; metalizados con efecto plomo, plata, oro; pero también textiles y cuero. Incluso ahora que el mundo de la moda ha rescatado con fuerza el animal print, entre las propuestas que el fabricante de papel español nos ofrece, encontramos una amplísima variedad de papeles animal skin, cuyo gofrado imita de forma asombrosa la piel de diferentes animales: serpiente, tortuga, cocodrilo, etc.

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

Papel especial de Guarro

Toda esta extensa gama está presente en los papeles especiales de Guarro Casas que, a modo de pequeño tesoro, reúne ahora en la edición de esta Yellow Box.

De la esencia más básica a la rareza más exquisita

Con más de 300 años de historia, Guarro Casas ha hecho de la innovación su bandera. La luminosidad de los colores, el aspecto homogéneo de los mismos y la resistencia a la luz son algunos factores inconfundibles de la alta calidad que ofrecen. Estos resultados excepcionales son fruto de todo un proceso que se divide en cinco fases.

  • Inicialmente encontramos el papel base. Son papeles naturales elaborados en su mayoría con un alto porcentaje de fibra larga, que les confiere una elevada prestación mecánica.
  • La segunda fase pasa por el coloreado. Ese proceso se puede hacer en la propia máquina de papel coloreando la pasta (lo habitual) o mediante pintado (algo menos común). En ambas técnicas, es el fabricante quien ‘crea el color del papel’, dicho coloquialmente. Pero es en la segunda técnica de aplicar el color, en la que Guarro Casas aporta un importante valor añadido al producto, ya que puede escapar de los colores sólidos. Esto significa que el fabricante da la posibilidad de personalizar el papel con un color adhoc.
  • El tercer paso es el marcado. Es decir, ese papel base que teníamos en el inicio y que ahora ha sido coloreado (o no) sufre un nuevo proceso en el que le son aplicadas diferentes texturas. Son los gofrados, verjurados y sutiles texturas que en Guarro Casas adquieren cientos de formas, transformando un papel liso impoluto en otro de gran atractivo visual. Aquí, las formas geométricas, textiles o animal skin, aportan un aspecto único, tal y como constata la gama de gofrados.
  • Un cuarto nivel son los acabados especiales. Papeles bicolores con efecto piel, laminados, efectos metalizados, acabados super-suaves, mates o brillantes, estampados… El universo Guarro Casas es sumamente extenso.
  • Finalmente, en un quinto nivel se sitúan los papeles tratados. Por ejemplo, aquellos papeles que llevan una capa para que sean resistentes al agua o los arañazos, o han sido impregnados con látex para hacerlos extremadamente resistentes y flexibles.

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

Actualmente son más de 600 referencias las que Guarro Casas dispone en stock, organizadas en más de 30 gamas de papel distintas. La marca española sorprende hoy con el lanzamiento del Yellow Box, una herramienta hecha a la medida de diseñadores y clientes que disfrutan experimentando y probando nuevas rarezas exquisitas.

Este catálogo abre una puerta a sensaciones únicas al tacto, pero también despierta numerosas emociones, al encontrar un papel de calidad inaudita, muchas veces desconocido tanto diseñadores como clientes. Quién esté interesado puede encontrar el Yellow Box en la web de Guarro Casas.

¿Cómo un simple papel puede llegar a ser una rareza exquisita?

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Un viaje a través del color

Color Leap, un viaje por la Historia a través de sus paletas de color

Actualmente, podemos realizar muchos tipos de viajes: culturales, profesionales, de trabajo o, simplemente, con la idea de vivir nuevas aventuras y divertirse con los colegas. Pero, ¿quién se hubiera imaginado poder realizar un viaje por la historia a través de sus paletas de color? Aunque suene raro, esta es la propuesta de Color Leap.

Color Leap, un viaje por la Historia a través de sus paletas de color

Color Leap

Color Leap es una web que ofrece una colección artesanal de 180 paletas de colores. Su peculiaridad es que los colores que se muestran son los más utilizados en 12 épocas distintas de la historia, llegando a abarcar 4 000 años.

Cada paleta se ha creado a través de un muestreo de piezas: objetos, carteles, fotografías e ilustraciones que pertenecen a los distintos períodos de tiempo. A través de esta aplicación, cada paleta de color puede copiarse con un solo clic y usarse para un proyecto propio.

A través de este recorrido por el color de cada época, descubrimos algunas curiosidades, aunque las más destacables están relacionadas con los acontecimientos del siglo XXI. Por ejemplo, en torno a 1900, se produjo el nacimiento de la moderna industria de la publicidad. En ese momento, se utilizaron ilustraciones detallistas y tipografías dibujadas a mano junto con formas naturales y diversas texturas.

Solo una década después, hacia 1910, la impresión en color se generalizó, lo que impulsó la creación de figuras y escenas pintadas, centradas en los personajes, en lugar de dibujos en tinta.

Color Leap, un viaje por la Historia a través de sus paletas de color

1910

Los locos años 20 abrieron paso a los estilos dibujados a mano, deteniéndose en los detalles, y dando lugar al nacimiento de un movimiento modernista internacional. Los diseños se rellenaron con colores ricos y formas geométricas minimalistas.

Después de esta época voluptuosa, en los años 30, a la luz de la Gran Depresión, los colores adquirieron tonos más sutiles. Las formas se desplazaron hacia una dirección futurista, impulsada por la tecnología, dentro de unas líneas limpias.

En los años 40, el comienzo de la Segunda Guerra Mundial provocó una importante producción de propaganda e innumerables carteles afloraban por doquier. En ellos, abundaban las imágenes patrióticas y predominaba una paleta cromática mínima, con colores muy planos y donde resaltaban en primer término los eslóganes con frases contundentes. Un ejemplo es el cartel We Can Do It, conocido popularmente como el de Rosie la Remachadora.

Color Leap, un viaje por la Historia a través de sus paletas de color

Nuestra siguiente parada en este particular viaje por la historia nos traslada hasta una década más tarde. En la época de los años 50, los anuncios estaban llenos de emoción y movimiento. A menudo, con un enfoque donde se veía a mujeres hermosas o escenas de la vida familiar. En ese momento, la tipografía creativa también entró en escena.

En los años sesenta, el diseño suizo, conocido por su uso de la cuadrícula y el espacio negativo, se hizo prominente. Sin embargo, este contrastó notablemente con otro tipo de diseño en el que predominaba el uso de ilustraciones y colores psicodélicos. Algo que se constata especialmente con los carteles de cine de serie B.

La aplicación Color Leap ha sido desarrollada por Studio Bros. Lástima que este viaje por la Historia se quede en los años sesenta. No estaría de más avanzar, por lo menos, hasta la entrada del nuevo milenio. Ahí queda la propuesta.

Color Leap, un viaje por la Historia a través de sus paletas de color

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Multas a los malos diseños

¿Y si pudieras multar a la gente por sus crímenes en diseño?

Si te tiembla el ojo cada vez que alguien pone la Comic Sans en un contexto formal o ves multitud de ríos en un texto, Hoefler & Co. acaba de lanzar el producto de Navidad perfecto para ti: el libro de multas tipográficas. The Typographic Ticket Book es una herramienta imprescindible para el ‘policía del diseño’. Hay 32 infracciones comunes en diseño –cada una con una penalización adecuada– y mucho espacio para la improvisación.

policía del diseño libro

Talonario multas al mal diseño

Hoefler & Co. es una fundición digital que cuenta con más de 1.000 tipos diferentes. Con su libreta de multas de diseño –Uniform Ticket Book– busca la complicidad con los diseñadores bromeando sobre lo chirriante que es en ocasiones el mal diseño tipográfico. Entre los 32 ‘crímenes en diseño’ o ‘violaciones de tipografía’ se encuentran: ‘una pobre elección de tipo de letra’, ‘un ajuste de espacio inadecuado’, ‘el nada irónico uso de Helvetica‘ o ‘el no permisible uso de Times New Roman en espacios públicos’.

Multa

Jonathan Hoefler de Hoelfer & Co. explica: «El texto de las multas está en mayúsculas –aunque sería más fácil de leer en minúsculas–; los colores llamativos deslumbran los ojos de los usuarios; los confusos signos administrativos como códigos de barras y números de formularios pueden provocar nerviosismo y ansiedad a cualquier diseñador. Y la Helvetica. Si el estado te envía alguna multa, va a estar en Helvetica. La Helvetica significa que tienes problemas».

Pero, si bien la emisión anónima de multas hilarantes puede dar a ciertos ‘policías del diseño’ cierta satisfacción de trollear a sus amigos, compañeros o referencias en el mundo de diseño, hay que tener en cuenta que la ironía de Hoefler & Co. se extiende también a los propios denunciantes. «La próxima vez que te encuentres con algún pedante que te explica la diferencia entre ‘fuente’ y ‘tipografía’, deberías imponerle una multa. Está justo en la libreta», bromean desde la fundición tipográfica.

policía del diseño ejemplo

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Cartel We can do it!

¿Quién diseñó el famoso cartel de ‘We Can Do It!’?

Muchos asocian a la mujer que muestra su puño en alto y el brazo arremangado, con la lucha por los derechos de las mujeres y los movimientos feministas. Y lo cierto es que, aunque su objetivo cuando fue diseñado no era precisamente este, el cartel de ‘We Can Do It!’ ha llegado a abanderar un hito histórico muy significativo en el desarrollo del papel de la mujer en la sociedad moderna. ¿Quién lo diseñó?

Fragmento del cartel ‘We Can Do It!’ de Howard Miller

We Can Do It!

El cartel ‘We Can Do It!’ nació como poster propagandístico para mantener la producción industrial de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue creado en 1943 por el diseñador gráfico estadounidense J. Howard Miller (1918–2004). Recibió el encargo de Westinhouse Electric, empresa que precisaba de mano de obra, como muchas otras, debido a que sus trabajadores habían cambiado su puesto de trabajo por el campo de batalla.

«We Can Do It!» (¡Podemos hacerlo!) asegura la protagonista del cartel sobre un llamativo fondo amarillo, vestida con uniforme de trabajo, un pañuelo rojo a lunares blancos a la cabeza y gesto desafiante.

El objetivo de este cartel sencillo pero con mensaje potente, era avivar la llama patriótica de las mujeres estadounidenses. La intención era conseguir que acudieran a trabajar a las fábricas donde realizarían labores que, hasta entonces, solo estaban reservadas para los hombres (como la producción de material bélico).

Howard Miller se inspiró en la imagen de Geraldine Hoff Doyle, una trabajadora de 17 años fotografiada en 1941 por la agencia UPI en la fábrica donde estuvo trabajando, la American Broach & Machine Company en Michigan.

Geraldine_Hoff_Doyle

Geraldine Hoff Doyle fue la inspiración del cartel

La mujer del cartel de Miller suele relacionarse con Rosie The Riveter (Rosie la remachadora), un icono y concepto de la mujer trabajadora estadounidense en la Segunda Guerra Mundial que apareció por primera vez en una canción escrita por escrita por Redd Evans y John Jacob Loebe en 1942. La letra cuenta cómo Rosie con su esfuerzo y su espíritu trabajador ayudaba a su país durante ese difícil periodo de guerra.

A pesar de que el cartel ‘We Can Do It!’ de Howard Miller estuvo solo un breve periodo de tiempo expuesto, su imagen ha trascendido en el tiempo. La imagen de una mujer trabajadora acompañada de tan rotundo mensaje, ha servido como símbolo de la emancipación laboral femenina que empezó a emerger en los años 60.

Cartel‘We Can Do It!’, diseñado por Howard Miller

Cartel publicitario “We Can Do It!” de Howard Miller

Si quisieras ver una de las reproducciones originales del cartel, tendrías que visitar el Museo Nacional de Historia Americana de Washington ya que allí se encuentra archivada.

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Presentamos la nueva Apple Card

El minimalismo de Apple también llega a sus tarjetas de crédito

Apple anunciaba en su keynote, celebrada ayer en el Steve Jobs Theater, que la Apple Card ya es una realidad. Entre otros productos, presentó este nuevo servicio que no dejó para nada indiferente a la audiencia. De hecho, fue el anuncio más llamativo de la jornada.

Apple Card

Llega la nueva Apple Card

Alejados del terreno de los dispositivos móviles y su tecnología, Apple presentaba de la mano de la vicepresidenta de Apple Pay de Apple, Jennifer Bailey, esta nueva tarjeta de crédito cuya estética no dista del diseño que el mundo ya tiene asociado a la marca.

Apple Card es un nuevo servicio integrado en la aplicación de Apple Wallet para iPhone que tiene la finalidad de ayudar al usuario a gestionar sus finanzas. Además de ser un servicio digital, cuenta con una tarjeta tangible con un diseño con una sencillez y elegancia que no ha sorprendido tanto al público como el servicio y la creación de esta tarjeta física en sí.

A pesar de que la tarjeta en su formato digital dentro de la aplicación cuenta con un llamativo gradiente de colores –al igual que algunos elementos que componen el ecosistema de la app haciendo un homenaje a los colores de su primer rediseño de logo–, el diseño de la Apple Card en su formato físico es bastante diferente a nivel cromático. 

«Es la tarjeta de crédito más bellamente diseñada», aseguraba Jennifer Bailey.

La tarjeta de titanio, en blanco y con apenas elementos gráficos (como el nombre del usuario grabado, un microchip, el logotipo de Apple y Goldman Sachs y Mastercard), pretende –además de proclamar sus intenciones de lujo y exclusividad–  hacer visible las intenciones de la marca con este nuevo servicio: «Representa todas las cosas que Apple representa. Como la sencillez, la transparencia y la privacidad», explica el equipo de Apple.

Dejando a un lado las funcionalidades del servicio, con esta apuesta de diseño la tarjeta de crédito de Apple parece querer ganarse un hueco entre la larga lista de símbolos de estatus con los que cuenta la compañía. Una estrategia que bien podría estar siguiendo los pasos de la relación que mantuvo Steve Jobs con el diseño. Un vínculo que ha marcado a fuego que no todo vale en el diseño de un producto, y que cambió el diseño del sector tecnológico tal y como lo conocemos.

Los primeros clientes que podrán utilizar la Apple Card serán los estadounidenses el próximo verano.

 

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Packaging de cerveza

10 packaging de cerveza muy originales

La cerveza es un producto principalmente reconocido por su packaging. A pesar de que muchos patrones se suelen repetir en sus envases, algunas marcas han demostrado que ir más allá también tiene su recompensa. Hacemos un repaso a 10 packaging de cervezas que destacan por su originalidad.

1. Brixton Brewery

packaging cerveza Brixton Brewery 1

En 2003 la fábrica de cerveza artesanal Brixton Brewery abrió sus puertas en el distrito de mismo nombre (Brixton) situado al sur de Londres. Su objetivo: que este barrio contara con una cerveza artesanal que destacara en cualquier lugar, y fomentar así, un férreo compromiso con la gastronomía de la zona.

Para ello, decidieron que el packaging debía ser parte fundamental de tal finalidad. Ese fue el motivo principal por lo que contaron con la colaboración de Eley Kishimoto, una compañía dedicada al diseño en el mundo de la moda. El resultado de esta sinergia presenta unas potentes impresiones sobre brillantes y coloridas etiquetas que se convierten en el acompañamiento perfecto para los diferentes sabores frescos que ofrece la marca.

packaging cervezas Brixton Colores 1

2. Mikkeller

packaging Mikkeller botes 1

Mikkel Borg Bjergsø es el precursor de Mikkeller, marca con la que saltó a la fama en el terreno cervecero. Una de sus particularidades de la marca radica en que que no dispone de una cervecería oficial; en su lugar, colabora con otras cerveceras para producir sus rectas o fermentaciones experimentales únicas. Keith Shore es el encargado de diseñar las etiquetas de la marca cervecera.

Sus alargados y aparentemente infantiles personajes son su principal sello de identidad. Fruto de su carácter nómada, y consecuentemente, de su producción en más de cincuenta países diferentes, Shore suele trabajar con 10 o 20 etiquetas a la vez, lo que convierte a esta marca en una de las que tiene mayor presencia visual en el mercado.

packaging cervezas comiendo Mikkeller 1

3. Oak Master 

etiqueta packaging brandsummit cerveza

La marca Oak Master ya se desmarcaba de su competencia con sus particulares tapones, fabricados de manera natural a partir de roble francés. No por ello, sin embargo, dejaron de apostar por un packaging que también cautivara la atención de su público.

Realizado por BRANDSUMMIT, y encabezado por el diseñador Alex Monzó, la imagen de Oak Master plasma el proceso de elaboración de la cerveza mediante un esquema ordenado de iconos y lettering. La serigrafía en blanco de la etiqueta se superpone sobre la botella, de vidrio oscuro. El texto y las gráficas aparecen de manera sobria, y otorgan a la bebida un aspecto tan elegante como sencillo.

packaging brandsummit diseño de etiquetas de cerveza

4. Omnipollo

packaging Omnipollo verde 1

Su amor por la el agua, la levadura y el lúpulo lo apartaron de su carrera de ilustrador. Karl Grandin abandonó la pluma, el papel y la tinta para dedicarse en cuerpo y alma a aquello que le apasionaba: producir cerveza. Desde 2011, y junto con Henok Fentie, regenta Omnipollo, una de las marcas cerveceras más experimentales de toda Suecia.

packaging Omnipollo fantasma 1

Grandin también es el encargado de esculpir todos los dibujos que se plasman en las etiquetas de la cerveza. A diferencia de otras marcas, que apuestan decididamente por ilustrar sus procesos y orígenes, Omnipollo presenta una imagen ligeramente diferente. Paisajes vestidos con colores fluorescentes y otros diseños más sobrios componen una gama de diseños tan diferentes entre sí como originales que evocan a la abstracción para definirse.

Packaging Omnipollo sonrisa 1

5. La Santa

La Santa, 13 torturas sintetizadas en un packaging de cerveza

Una leyenda es el punto de partida del packaging de La Santa, cerveza artesanal creada en una microcervecería barcelonesa. Santa Eulalia, una mártir cristiana que sufrió trece torturas por no renunciar a su fe, es su principal inspiración.

Antonio Álvarez, encargado del diseño de las etiquetas, abogó por una marca dinámica y llena de contrastes utilizando, para ello, el minimalismo y el cromatismo. Los trece diseños diferentes se corresponden a cada uno de los martirios que sufrió Santa Eulalia y están compuestos, también, por elementos en formas orgánicas y geométricas.

Diseño de packaging de cerveza de Antonio Álvaro

6. Evil Twin

packaging cervezas Evil Twin diabolico 1

Evil Twin tiene una estrecha relación con la famosa cerveza Mikkeller: fruto del éxito que cosechó está en manos de Mikkel Borg Bjergsø; su hermano, Jeppe Jarnit, decidió emprender un negocio muy similar. Sus pretensiones de igualar dicha fama fue el origen de Evil Twin, marca de cerveza surgida en Brooklyn.

packaging cervezas Evil Twin triangulos 1

Martin Justesen es el estudio que se esconde detrás de los diseños que configuran estas botellas. Caracterizadas por las formas triangulares, estas distintivas etiquetas también acogen retratos distorsionados con una fuerte presencia tipográfica con la que pretenden destacar en un mercado generalmente más sobrio en lo que a diseños de cerveza se refiere.

Packaging Evil Twin cara distorsionada 1

7. Abadía

Abadía Española, packaging que fusiona el medievo con el minimalismo y tintas flúor

Un homenaje a la devota manera de elaborar cerveza de los abades supuso el punto de partida de esta cerveza, que recoge el nombre de Abadía para autodefinirse. Un diseño sencillo, evocador y austero en el que también tienen presencia las tintas flúor impregnan el diseño, que tiene como objetivo sacar a la luz esta delicada bebida artesana y, romper, por tanto, con el concepto que solían presentar este tipo de centros en la Edad Media.

La imagen, llevada a cabo por TSMGO (The show must go on), es fiel a su esencia artesana, y apuesta por una estética minimalista tan impactante como accesible para el consumidor. Los elementos y colores son diferentes en función del tipo de cerveza.

Abadía Española, packaging que fusiona el medievo con el minimalismo y tintas flúor

8. Velkopopovicky Kozel

Cerveza Checa 1

La marca cervecera checa decidió sacar a la venta la siguiente edición limitada con dos principales finalidades: la primera, enfatizar los valores de la marca; la segunda, ampliar el número de fans del producto.

El diseño de la edición refleja las tradiciones antiguas y pone en valor la labor maestra de los cerveceros checos. La lata, así, pretende esbozar partes de la antigua República Checa. Además de tratarse de un objeto de coleccionista, Velkopopovicky Kozel también pretende ser un producto interactivo y, en el momento de su lanzamiento, la marca ofreció regalos a todos aquellos que lograron desentrañar el mensaje especial que había codificado en la lata. El diseñador gráfico Yurko Gutsulyak es quien está detrás de este diseño, que también obtuvo un reconocimiento bronce en los Pentawards del año 2013.

Cerveza Checa packaging 2

9. Porter de Glace

packaging Porter Glace 1

Porter de Glace es un producto realizado por Brasseurs du monde, una fábrica de cerveza ubicada en Canadá. Para su packaging, contaron con el ilustrador Mathieu Lacombe, que se encargó de plasmar la nueva imagen del producto. Para ello, desde la marca se juega tanto con la propia botella como con una caja a su medida en la que va metida.

Una tipografía de carácter manual y con un efecto que recuerda a la acuarela es la principal protagonista del producto, que combina dos colores principales (blanco y negro) para ofrecer una presencia elegante y limpia. El tapón de la botella, impregnado en lo que se asemeja a ser tinta, cubre toda la parte superior del producto y refuerza el aire descuidado pero llamativo que envuelve a la cerveza.

Porter de Glace botella tinta

10. Commonwealth Brewing Co.

packaging cerveza Colores 1

Evocar los sabores de esta cerveza fue el reto al que se enfrentó la agencia creativa Thirst. La utilización de los colores se convirtió en fundamental con la pretensión de aportar información al consumidor sobre el sabor que encontrará al abrir la lata de cerveza. Además de generar una experiencia más enriquecedora, la marca también buscó que esta acción se convierta en un viaje iniciático al mundo del arte, y hacer de la lata un producto con un valor añadido.

Para confeccionar el diseño, se realizaron fotografías de diferentes texturas de aceites, vinagres y tintas a un nivel macro. La amalgama de los líquidos se correspondió perfectamente con las cervezas que se buscaban representar. Profundidad, riqueza e intriga eran los principales valores que se querían abordar, y que también pretenden reflejar el espíritu de estas cervezas.

packaging cerveza Colore verde y amarillo 2

admin

Cerveza Pilsener y su packaging carnavalero

El packaging de cerveza carnavaleño diseñado por Pierini

El estudio de diseño gráfico argentino Pierini creó una edición limitada de packaging para la cerveza Pilsener basado en los personajes más emblemáticos del carnaval ecuatoriano.

packaging cerveza

Packaging carnavalero de Pilsener

En este año 2019, el carnaval de Ecuador ha contado con una nueva invitada. Pilsener, la cerveza ecuatoriana, decidió ponerse en contacto con el diseñador argentino Adrián Pierini para dar un paso al frente. Según explica el equipo, la estrategia de marketing de la marca ha resultado muy provechosa gracias a su nuevo packaging. El creativo argentino creó un envase de edición limitada en el que se ven representadas las figuras más emblemáticas del carnaval local, una apuesta sorprendente e innovadora en vistas a la festividad.

Pierini creó tres diseños diferentes. El primero de ellos basado en el diablo, en el que predominan los colores rojos; el segundo, centrado en la bruja, en el que predominan los colores verdes; y el tercero, basado en el payaso, en el que predominan los colores morados.

Resultado de imagen de packaging pilsener pierini

Los 3 diseños de packaging

Pierini captó la esencia ecuatoriana mediante el usos de tramas autóctonas, texturas rústicas y recursos visuales basados en las representaciones tradicionales del país.

Por otro lado, y para potenciar el impacto, se creó un diseño que cubriese la totalidad de la superficie de los distintos soportes de latas, label y multipacks. Una estructura que no entorpeciera «la correcta decodificación de cada uno de los motivos», tal y como afirma el propio creador, que explica:

«No solo queríamos una estructura clara en su comprensión, sino también que estuviese integrada al arte mediante su aplicación en bandas circulares que enmarcan la figura principal y aumentan su foco de tensión».

admin

El logotipo de LEGO

¿Por qué los colores del logotipo de LEGO son en rojo, blanco, negro y amarillo?

Si pronunciamos la marca LEGO, es fácil que a nuestra mente acudan innumerables recuerdos. La marca de juguetes nos viene acompañando durante décadas. LEGO es una de esas marcas que ha existido durante tanto tiempo y se ha consolidado tan bien, que es difícil imaginar una infancia sin ellas. Actualmente, ya son diferentes generaciones de niños (y no tan niños) los que vienen jugando con estas piezas de construcción. Su logotipo es perfectamente reconocible alrededor de todo el planeta, pero ¿siempre ha sido así?

Logotipo de LEGO

El logotipo de LEGO a lo largo de la historia

Ninjas, policías y ladrones, superhéroes, dragones, castillos, superhéores, naves espaciales, astronautas, ciudades futuristas, junglas donde habitan dinosaurios que luchan con terribles arañas… ¿quién no recuerda jugar horas y horas con los LEGO? Los LEGO son un verdadero desafío para la imaginación. Y desde hace años las pequeñas piezas de construcción son grandes compañeros de juego.

La compañía va camino de cumplir sus 100 años. Todo empezó en 1932, en la ciudad de Billund, en Dinamarca. La empresa fundo allí una pequeña fábrica donde comenzó a producir juguetes de madera (escaleras, sillas y otros objetos).

El nombre de la compañía LEGO proviene del danés ‘leg godt’, que significa ‘jugar bien’ en danés.

El primer logotipo fue un simple texto en negro desarrollado para el lanzamiento formal de la compañía en 1934. Entre 1936 a 1939, este sencillo wordmark se podía ver en las cartas comerciales, etiquetas y otros materiales impresos. Los productos en sí llevaban impreso el sello de tinta LEGO Fabriken Billund que luego pasó a ser LEGO Billund Denmark.

LEGO

LEGO “Jugar bien”

No fue hasta 1939 cuando los juguetes de madera de la marca incluyeron la impresión del logotipo. Fue justo cuando se introdujo el logotipo amarillo, marrón y negro como una etiqueta en sus productos.

Unos años más tarde, en 1950, fue cuando comenzó a fabricar juguetes de plástico. Su gama de productos ya incluía los ladrillos de construcción entrelazados por los que ahora se conoce en todo el mundo. En los años 50 se introdujo un emblema redondo, pero con una tipografía y un aspecto gráfico que poco tiene que ver con la actual.

Símbolo LEGO

Entre 1952 y 1953, la compañía utilizó simultáneamente tres logotipos que eran bastante similares, aunque no idénticos. La insignia mostraba el nombre de la compañía en una negrita sans-serif. En una de las versiones, el tipo de letra estaba en cursiva. Dos versiones incluían letras rojas sobre el fondo de la foto amarilla o borrosa, mientras que la tercera consistía en letras negras sobre el fondo blanco. El uso de estos 3 logotipos resultaba algo atípico y confuso.

A finales de 1954, el wordmark se trasladó a una forma ovalada sobre un fondo rojo. Fue en ese momento cuando la tipografía dio un giro, abandonando las palo seco por una fuente más amable, de líneas curvas, en la línea de la tipografía que la marca utiliza actualmente. Destacaban dos puntos a cada lado de la insignia, conectados con una barra horizontal, que algunos vieron cierto parecido a un hueso de perro.

El logotipo con esa línea con los dos puntos se estandarizó en 1955. Cinco años después apareció un emblema cuadrado. Incluía la palabra ‘System’ en un texto en cursiva en pequeño, y el ‘hueso de perro’ desaparecía para siempre. Con los años, la empresa ha ido creando una serie de versiones ligeramente modificadas del logotipo; una de ellas incluía cinco barras verticales de color.

¿Por qué los colores del logotipo de LEGO son rojo, blanco, negro y amarillo?

«El logotipo de LEGO no parece en absoluto demasiado puntiagudo o pedante. Sin embargo, estas son exactamente las características que cumplen con los requisitos principales de la fábrica de LEGO (con una precisión de hasta 0,002 mm). Pero en realidad, el logotipo de LEGO crea el ambiente correspondiente a su significado oculto, ‘Leg Godt’, que significa “jugar bien”. De hecho, los colores brillantes del logo invitan al juego».

El logotipo LEGO en la actualidad

El logotipo actual de LEGO se remonta prácticamente a 1973. Ese año la compañía comenzó a fabricar y vender sus productos en los EEUU. Adoptó un logotipo estandarizado, que era casi idéntico al símbolo actual. La marca de 1973 incluía caracteres blancos con un contorno negro y amarillo en el fondo rojo sobre una forma rectangular. En el transcurso del tiempo, los caracteres de la tipografía diseñada a finales de 1954 se ensancharon un poco, adquiriendo un aspecto más rechoncho.

La combinación de blanco, amarillo, rojo y negro ha estado presente en el logotipo de LEGO desde 1960. Según la marca, esa diversidad cromática recuerda los colores básicos de los bloques de construcción de LEGO.

LEGO en la actualidad

LEGO en la actualidad

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